Consultas para profesores por parte del director musical. Director musical
Consulta para profesores.
Tema: "Organización de actividades conjuntas del director musical y docente sobre el desarrollo musical de los niños en edad preescolar"
(fecha límite: diciembre de 2015)
La principal tarea del director musical es familiarizar al niño con el mundo de la música, enseñarle a comprenderla, disfrutarla, desarrollar habilidades musicales y creativas, formar una actitud moral y estética hacia ella, el deseo de empatizar activa y creativamente con lo que percibe.
El éxito en este trabajo sólo se puede lograr con una estrecha interacción entre los profesores de jardín de infancia y las familias, ya que los conocimientos que el niño recibe en el jardín de infancia deben reforzarse en casa.
El maestro y el director musical interactúan directamente con el niño en el proceso de organizar su comunicación con la música. La calidad de la educación musical de un niño en edad preescolar depende en gran medida de su nivel de competencia. Se pueden distinguir las actividades del director musical de una institución de educación preescolar.tres direcciones principales:
1) el director musical es responsable del correcto establecimiento y ejecución de las tareas de educación musical de los niños;
2) la lista de responsabilidades del director musical incluye brindar asistencia metodológica al personal docente en la organización de la educación musical de los niños;
3) un área importante de actividad del director musical es su interacción con profesores y padres de niños.
Interacción entre el director musical y los profesores de preescolar. incluye:
Familiarización de los educadores con cuestiones teóricas de la educación musical para niños;
Explicación del contenido y métodos de trabajo en educación musical para niños de cada grupo de edad;
Discusión de escenarios de vacaciones y entretenimiento;
Participación en la producción de decoraciones festivas, escenografía, vestuario y en el diseño de interiores de una institución de educación preescolar para las fiestas;
Participación en la organización del entorno de desarrollo musical temático-espacial de la institución de educación preescolar;
Brindar asistencia metodológica a los educadores en la solución de los problemas de la educación musical infantil;
Participación en consejos pedagógicos de instituciones de educación preescolar.
Entre los muchos problemas recientes relacionados con la educación preescolar, destaca el problema de los maestros y especialistas de preescolar. El problema de la interacción pedagógica entre un docente y un director musical en una institución de educación preescolar es uno de los importantes: de su solución depende el éxito del proceso de desarrollo musical de los niños en edad preescolar.
La interacción pedagógica entre el profesor y el director musical debe basarse en los siguientes principios:
1. El principio de dialogización.
Asociado a la transformación de la “superposición” del director musical y la “subposición” del docente en materia de desarrollo musical de los preescolares en una posición personalmente igualitaria de sujetos colaboradores.
2. El principio de individualización.
Se basa en el aprovechamiento por parte de cada participante de la interacción de importantes ventajas en la realización de determinado tipo de actividades. Para implementar este principio, cada participante en la interacción debe tener fuertes habilidades musicales.
Un director musical es un especialista que tiene una formación musical, lo que presupone la presencia de habilidades profesionales y creativas, las principales de las cuales son la interpretación escénica y verbal de la música (O.P. Radynova). La profesionalidad de un director musical es impensable sin mantener y mejorar constantemente el nivel de sus habilidades interpretativas. Este nivel determina en gran medida el grado en que los niños perciben las obras musicales. El docente debe poder interpretar canciones infantiles sencillas, realizar movimientos musicales y rítmicos, tocar instrumentos musicales infantiles (metalófono, pandereta, sonajero, flauta), organizar juegos musicales y didácticos. El director musical y el profesor, complementándose mutuamente, crean el efecto que surge de la cooperación del trabajo.
3. El principio de problematización.
Un músico con educación especial no enseña al maestro: actualiza y estimula sus capacidades musicales. Para implementar el principio de interacción "profesor - director musical", es necesario que ambas partes comprendan una función tan importante de la actividad pedagógica del docente como garantizar la integridad del proceso educativo. La base para esto debería ser la preparación del maestro para el desarrollo musical de los niños en edad preescolar, percibida por él como un elemento importante de su preparación profesional para criar a los niños.
En la interacción entre el director musical y el docente, es necesario intercambiar iniciativas entre ellos encaminadas a comparar sus ideas y formar un significado común de la actividad, que se expresa en la planificación conjunta del trabajo sobre el desarrollo musical de los niños. Ésta es una circunstancia muy importante, que se determina de la siguiente manera. El docente, estando en constante contacto con los niños, teniendo en cuenta la opinión del psicólogo, conociendo las peculiaridades de la crianza familiar de los niños, puede dar características psicológicas y pedagógicas a cada niño y al grupo en su conjunto, y proponer generales. metas y objetivos de desarrollo. El director musical, como portador de conocimientos y habilidades especializados, establece objetivos especializados.
La forma de interacción entre el profesor y el director musical es la inclusión de un programa holístico en los "bloques del proceso pedagógico" (según N.Ya. Mikhailenko), así como la coordinación: la distribución de responsabilidades entre ellos para el ejecución de este programa, la definición de sus áreas de actividad.
1. Bloque de formación especialmente organizado
(ASENTIR)
El protagonismo en las clases de música pertenece a las musas. al gerente, porque Puede transmitir a los niños las características de las obras musicales.
Sin embargo, la falta de comprensión por parte del profesor de las tareas educativas de la música puede anular todos los esfuerzos del director musical. Donde al maestro le encanta la música, le encanta cantar y los niños se interesan mucho por las lecciones de música. Además, en el apartado “Movimientos musicales y rítmicos”, el director musical está limitado por el instrumento y el profesor debe demostrar los movimientos.
El papel protagónico del director musical no reduce en modo alguno la actividad del docente.
Los profesores suelen cometer los siguientes errores en el aula:
La profesora se sienta con mirada indiferente.
El profesor interrumpe la actuación.
Dan instrucciones verbales junto con instrucciones musicales. líder (aunque no puede haber dos centros de atención).
Perturba el curso de la lección (entra y sale del salón).
La actividad del docente depende de tres factores:
Dependiendo de la edad de los niños: cuanto más pequeños son los niños, más canta, baila y escucha la maestra junto con los niños.
Del apartado de educación musical: la mayor actividad se manifiesta en el proceso de aprendizaje de los movimientos, algo menos en el canto, la más baja, en la escucha.
Del material del programa: dependiendo del material nuevo o antiguo.
El profesor debe estar presente en cada lección de música y participar activamente en el proceso de aprendizaje de los niños:
Canta junto con los niños (sin ahogar el canto de los niños). Al cantar, el profesor se sienta en una silla frente a los niños para mostrar, si es necesario, los movimientos, el tono de los sonidos, el ritmo de las palmas, etc.
Al enseñar a los niños movimientos musicales y rítmicos (especialmente en grupos más jóvenes), participa en todo tipo de movimientos, activando así a los niños. En grupos mayores, según sea necesario (mostrando tal o cual movimiento, recordando la formación o dando instrucciones individuales sobre cómo bailar, jugar)
Dirige actividades musicales independientes, incluida la música en juegos, caminatas y trabajos, utilizando material aprendido con el director musical.
El profesor debe poder tocar todos los instrumentos que utilizan los niños en las clases de música para poder mostrarles correctamente cómo hacer sonidos en cada instrumento.
Repite la letra de las canciones con los niños y no las memoriza como la poesía, sino que canta con los niños.
Repite movimientos de baile, habiendo grabado música previamente.
Cuanto más activamente haga el profesor este trabajo, más cosas nuevas podrán aprender los niños en las clases de música; de lo contrario, las clases de música se convertirán en una repetición interminable de lo mismo, es decir, "agua pisando"
2. Bloque de actividades conjuntas entre profesores y niños
El trabajo dentro de este bloque excluye las clases especialmente organizadas. Un maestro o director musical involucra a los niños en actividades musicales; la actividad de los niños puede ser el resultado de la participación de los maestros en una actividad que ya ha surgido. El bloque de actividades conjuntas entre profesores y niños incluye varios tipos de actividades musicales: escucha de una pieza musical con posterior conversación sobre la misma, canto, juegos musical-rítmicos e iniciación a la interpretación de instrumentos musicales. Es recomendable construir actividades conjuntas con un “final abierto”, es decir para que el niño, si lo desea, pueda continuarlo de forma independiente. Por ejemplo, un juego musical iniciado con adultos puede ser continuado por niños, para lo cual es necesario crear un entorno temático (material didáctico musical, instrumentos).
3. Bloque de actividades independientes gratuitas para niños.
El propio niño elige actividades que satisfagan sus inclinaciones e intereses, brindándole oportunidades de autodesarrollo. En el marco de este bloque, la actividad creativa de los niños se desarrolla en diversos tipos de actividades, incluida la música. La tarea del maestro y director musical es crear un entorno temático que brinde al niño una variedad de actividades que correspondan a sus intereses y sean de naturaleza evolutiva. Se trata de instrumentos musicales, libros y álbumes, materiales para ejercicios didácticos que permiten a los niños, si lo desean, continuar lo que están haciendo en clase y en actividades conjuntas gratuitas con los profesores. Los profesores deben brindar a los niños la oportunidad de actuar tanto con sus compañeros como individualmente. En este bloque, el director musical se ocupa principalmente de organizar el entorno del tema. El docente se involucra en las actividades de los niños cuando surgen situaciones que requieren su intervención.
El éxito del profesor depende en gran medida de la intensidad del trabajo del director musical con él. Cuanto menos preparado esté el profesor, más tendrá que trabajar el director musical directamente con los niños.
Los problemas educativos se resuelven de manera más efectiva si los docentes tienen en cuenta el principio de integración de áreas educativas, lo que implica la interacción del director musical y los educadores. El maestro necesita:
1. Conocer los requisitos del programa de educación musical.
2. Conocer el repertorio musical de tu grupo, ser asistente activo del director musical en las clases de música.
3. Ayudar al director musical a que los niños dominen el repertorio musical del programa, mostrando ejemplos de ejecución precisa de movimientos.
4. Practicar movimientos con los niños.
5. Profundizar en las impresiones musicales de los niños escuchando obras musicales en grupo utilizando medios técnicos.
6. Desarrollar las habilidades musicales de los niños (oído para la melodía, sentido del ritmo) en el proceso de realización de juegos didácticos.
7. Poseer habilidades básicas en la ejecución de instrumentos musicales infantiles (metalófono, timbres, cucharas de madera, etc.).
8. Realizar el desarrollo musical de los niños, utilizando todos los apartados del trabajo: canto, escucha de música, movimientos musicales y rítmicos, interpretación de instrumentos musicales infantiles, juegos musicales y didácticos.
9. Tener en cuenta las capacidades y habilidades individuales de cada niño.
10. Desarrollar la independencia y la iniciativa de los niños en el uso de canciones familiares, bailes circulares, juegos musicales en clases, caminatas, ejercicios matutinos y en actividades artísticas independientes.
11. Cree situaciones problemáticas que activen a los niños para la expresión creativa independiente.
12. Involucrar a los niños en juegos creativos, incluidas canciones, movimientos y bailes familiares.
13. Utilizar las habilidades y destrezas musicales de los niños en las clases para otro tipo de actividades.
14. Incluir acompañamiento musical en la organización de clases y momentos rutinarios.
15. Participar activamente en la preparación y celebración de fiestas, espectáculos, ocio musical y espectáculos de títeres.
16. Elaborar selecciones temáticas de material poético para entretenimiento y matinés musicales.
17. Brindar asistencia en la fabricación de atributos y decoración del music hall para fiestas y entretenimiento.
18. Sea artístico, inventivo y emocionalmente móvil.
Interacción docente
y director musical de la matiné
El trabajo del director musical con el anfitrión y los profesores en la preparación de las vacaciones consiste en mantener un contacto constante, discutir los detalles del programa, aclarar el rumbo coherente de las vacaciones y las acciones conjuntas de todos sus participantes.
Todos los roles se ensayan cuidadosamente y se aclaran todos los matices del comportamiento durante las vacaciones.
Las dramatizaciones y poemas deben aprenderse en grupo con todos los niños, de modo que, si es necesario, se pueda reemplazar a un niño enfermo o se pueda reemplazar el papel en la dramatización.
Los niños no deben presenciar a los adultos hablando sobre los regalos de Año Nuevo de Papá Noel o invitando a alguien a interpretar el papel de personajes de cuentos de hadas. De lo contrario, la sorpresa se arruina. - el componente principal de las vacaciones.
En vísperas de las vacaciones, el presentador, en presencia del director musical, organiza la preparación de la sala, atributos, elementos de vestuario y elementos para juegos, es decir. comprueba la preparación para las vacaciones.
El profesor debe saber de memoria el orden de los números.
Mantener la disciplina y corregir a los niños correctamente.
Conozca los poemas y a los niños que los leen, prontamente indique el comienzo del poema.
Asume roles en obras de teatro. No rechaces el papel aceptado.
El papel del presentador es muy responsable, este maestro debe tener musicalidad, arte, poder defenderse en el escenario, debe ser emocional e ingenioso.
En los grupos más jóvenes debe haber un ritmo rápido de celebración sin vacilaciones ni pausas por parte de los presentadores (ya que la atención de los niños es inestable).
Sepa claramente cuándo sentar a los niños. Cuándo traer el equipo.
La relación entre el profesor y el director musical a través de señales condicionadas (mira al director musical).
Si el niño no tiene pareja, el profesor la sustituye.
El maestro debe ver a todos los niños durante las vacaciones.
Trate de no criticar ni molestar a los niños, cálmelos dándoles palmaditas en el hombro.
Existen 2 formas de trabajo entre un director musical y un profesor.
Consultas individuales: se lleva a cabo una vez cada 2 semanas
Contenido de las consultas:
Introducción a los objetivos de las próximas clases;
Dominar el repertorio (comprobado cómo el profesor interpreta canciones y bailes infantiles);
Pensar en formas de trabajo individual con niños;
Pensando en la introducción de la música en la vida cotidiana;
Conversaciones sobre la actividad del docente en música. clases.
Consultas grupales:
Introducción a nuevas cuestiones metodológicas (creatividad musical, creatividad motora, aprendizaje de instrumentos);
Elaboración de escenas de las vacaciones;
Pensando en sorpresas;
Discusión de diversos temas;
Aprender canciones para escucharlas o interpretarlas durante las vacaciones (prestando atención a la pureza de la entonación y la dicción);
Incrementar la cultura del movimiento (además de los juegos, bailes, ejercicios infantiles, los profesores realizan movimientos más complejos que contribuyen al desarrollo de la coordinación de sus movimientos y al desarrollo musical en general);
Realizar tareas independientes (componer un baile o ejercicio con cierta música);
Enseñar a los profesores a utilizar una grabadora, mejorar sus conocimientos en el campo de la alfabetización musical, para que puedan interpretar una canción infantil con instrumentos musicales a partir de las notas y cantarla.
La práctica muestra que la preparación del maestro para el desarrollo musical de los niños en las instituciones de educación preescolar se manifiesta en todas las formas de organización de actividades musicales: los maestros participan activamente en las clases de música, realizan bailes circulares con cantos durante las caminatas, juegos musicales y didácticos, utilizan obras musicales en clases sobre desarrollo del habla, familiarización con el medio ambiente. Estas actividades contribuyen al desarrollo de la musicalidad de los niños, acercan al maestro y al niño y permiten al director musical centrarse en las habilidades interpretativas en el proceso de desarrollo de la percepción musical en los niños en edad preescolar. Todo esto es posible si la interacción entre el profesor y el director musical es exitosa.
Director musical E. Ya. Mokrodeeva
Tema: “El papel del docente en el desarrollo de la actividad musical independiente de los niños”.
La actividad musical independiente de los niños contribuye al desarrollo de cualidades de personalidad como la iniciativa, la independencia y la actividad creativa. El papel del profesor es animar a los niños a aplicar las habilidades aprendidas en las clases de música en la vida diaria del jardín de infancia.
Para desarrollar la actividad musical independiente de los niños, el grupo debe estar equipado con “rincones musicales” donde se coloquen instrumentos musicales, juegos didácticos y juguetes divertidos para niños. Que luego puede ser interpretado por el maestro (un oso toca la balalaika, una liebre salta, una niña baila, etc.) Para mantener el interés de los niños en las actividades musicales independientes, el maestro debe actualizar los manuales en el “rincón musical” una vez al año. mes, rellénalo con nuevos atributos y juegos didácticos.
Un papel importante del maestro en el desarrollo de la actividad musical independiente de los niños es la creación de situaciones problemáticas, animando a los niños a realizar acciones independientes variables y desarrollando la capacidad de aplicar lo aprendido en nuevas condiciones. Al mismo tiempo, la decoración realza la impresión de los niños. Bajo la influencia del alegre sonido de la música, las palabras expresivas y los elementos del vestuario, los niños experimentarán brillantes emociones positivas. Todo ello les animará a expresar sus sentimientos cantando, bailando y jugando, y también contribuirá a la formación del interés por la música y las actividades musicales en general.
Al crear así un ambiente en el jardín de infancia lleno al máximo de entonaciones musicales, el maestro podrá despertar en los niños el interés y el amor por la música, así como contribuir a la formación y desarrollo de la actividad musical independiente en los niños en edad preescolar.
Consideremos varios tipos de actividades musicales de los niños en grupo:
1.Tocar instrumentos musicales infantiles. A los niños les encanta tocar el metalófono, el acordeón, el acordeón de botones, el tresillo, la pandereta, el tambor y otros instrumentos; pueden interpretar cantos, patrones rítmicos aprendidos en clase, o pueden inventar e interpretar sus propias melodías, mostrando creatividad. Los niños suelen sentirse atraídos por el proceso de dominar un nuevo instrumento. En tales casos, se enseñan mutuamente: quienes tocan bien este instrumento muestran técnicas a quienes aún no saben tocar. Esta asistencia amistosa se puede observar con mayor frecuencia en los grupos preparatorios y de alto nivel. Al tocar instrumentos, los niños aprenden a distinguir sus sonidos, comienzan a destacar sus favoritos, organizan ellos mismos una "orquesta" y eligen un director. El papel del profesor es fomentar la actividad creativa de los niños, enseñarles a negociar y asegurarse de que el juego no se convierta en una pelea.
2. Una de las formas más llamativas de actividad musical independiente para los niños es el juego musical. Los propios niños en edad preescolar mayores crean las condiciones necesarias para este juego. El juego puede ser extenso: se combinan varios tipos de actividades (tocar un metalófono y bailar, adivinar una canción por su melodía y baile circular, etc.). En otros juegos de rol, los niños utilizan canciones que corresponden a sus acciones de juego. Por ejemplo, durante el desfile, los niños cantan "Drum" de M. Krasev, tamborilean y marchan, las niñas, guardando las muñecas, cantan la canción "Bayu-Bayu" de M. Krasev. La canción promueve un desarrollo más dinámico del juego y organiza las acciones de los niños.
En este tipo de actividad independiente para niños, el profesor sigue desarrollando en los alumnos la capacidad de negociar (quién hará qué), puede sugerir la trama del juego, apoyar la actividad de cualquier niño y le ayuda a organizar un juego grupal.
3. Los juegos musicales y didácticos utilizados en actividades musicales independientes desarrollan en los niños la capacidad de percibir y distinguir las propiedades básicas del sonido musical: "Musical Lotto", "Adivina quién canta", "Dos tambores", "Sé más tranquilo, más fuerte". la pandereta”, “Nombra la canción de la imagen”, etc.
Para enriquecer las impresiones musicales de los niños y animarles a utilizar las habilidades adquiridas en las clases de música, el profesor debe llenar los momentos rutinarios con el sonido de obras clásicas conocidas por los niños. Por ejemplo, durante la gimnasia matutina y durante las clases de educación física (para niños), el profesor puede utilizar los siguientes trabajos: mientras corre y camina a un ritmo rápido, galopa "El jinete valiente" de R. Schumann, "Payasos" de D. Kabalevsky, "Danza circular de los enanos" de F. Liszt, "Mi caballo" de A. Grechaninov y otros; durante una carrera fácil, una carrera dispersa, en bandada: "La polilla" de S. Maikapar, "Mariposas" de F. Couperin, "Un paseo alegre" de B. Tchaikovsky; durante la marcha - “Procesión de los saltamontes” de S. Prokofiev, una marcha del ciclo “Música infantil”. Los ejercicios generales de desarrollo pueden ir acompañados de música de I. Iordansky ("Ladushki - ladushki"), P.I. Tchaikovsky ("New Doll") y otros.
Mientras camina, puede jugar con sus hijos a los juegos aprendidos en las clases de música: baile: el juego "Oso", ejercicio "Erizo y tambor"; ejercicio motor “Paseaba un perro alegre”, juego “¿Dónde duerme el pez?”, canción “Ay, toc - toc - toc”, juegos de habla con los dedos.
También puede llenar con música el tiempo de recepción de la mañana y el tiempo de la tarde cuando regrese a casa. Además, las entonaciones musicales de la mañana deben diferir de las de la noche. Por la mañana: música tranquila y de colores claros. Se recomienda utilizar obras de álbumes de piezas para piano para niños de P.I. Chaikovski, A.T. Grechaninova, E. Grieg, R. Schumann, S.M. Maykapara y otros. Esto creará una atmósfera de buena voluntad y humor positivo por la mañana y durante todo el día.
Por la noche, la naturaleza de la música debería ser más dinámica. Esto animará a los niños a realizar actividades físicas, inventar imágenes y encarnarlas en la danza. Se recomienda utilizar fragmentos de obras sinfónicas escritas para niños (“Sinfonía infantil” de I. Haydn, suite para orquesta “Juegos infantiles” de J. Bizet, etc.)
Así, el papel del profesor en el desarrollo de la actividad musical independiente de los niños es que, sin que el niño lo note, lo anima a participar activamente en varios tipos de música. actividades, creando condiciones pedagógicas favorables: influencia en las impresiones musicales del niño, desarrollo de las actividades de los niños por iniciativa propia. El maestro debe tener tacto y convertirse, por así decirlo, en cómplice de los juegos infantiles. Al planificar las técnicas de gestión, el docente señala los siguientes puntos: qué nuevos equipos se deben introducir para las actividades musicales de los niños en edad preescolar (instrumentos, manuales, juguetes de aficionados), en qué orden es recomendable hacerlo, quién debe ser observado en para conocer los intereses y las inclinaciones de los niños, qué tipo de actividad tienen preferencia y si sus intereses son unilaterales. A una edad más temprana, es mejor que el profesor utilice el método explicativo e ilustrativo. A su vez, el niño aprende reproductivamente estos métodos. Posteriormente, el maestro debe utilizar un método explicativo y estimulante, y se conduce al niño a buscar métodos de acción independientes. El método de demostración y la explicación detallada se utilizan cuando se enseña a los niños a realizar cualquier elemento de danza o entonación del canto. Me gustaría desear que los niños actúen no sólo según las instrucciones directas y la demostración del maestro, sino también sin su ayuda. Si un niño aprende a realizar tareas educativas de forma independiente, también podrá actuar fuera de clase: organizar juegos musicales, cantar y bailar cuando lo desee. El trabajo diario de un docente con los niños, el conocimiento de sus intereses y habilidades, le permite al docente realizar la tarea de manera eficiente y responsable. La actividad musical independiente en grupo, al ser uno de los indicadores del nivel de desarrollo de los niños, da una idea del volumen de habilidades, destrezas y conocimientos que los niños han recibido como resultado del trabajo realizado con ellos. Hay una transferencia de métodos de acción dominados en las clases de música a condiciones y situaciones completamente nuevas; el niño actúa por iniciativa propia, de acuerdo con sus intereses, deseos y necesidades.
Avance:
Consulta con un director musical para profesores.
Tema: “El papel del profesor en las clases de música”.
El protagonismo en las clases de música pertenece a las musas. al gerente, porque Puede transmitir a los niños las características de las obras musicales.
Sin embargo, la falta de comprensión por parte del profesor de las tareas educativas de la música puede anular todos los esfuerzos del director musical. Donde al maestro le encanta la música, le encanta cantar y los niños se interesan mucho por las lecciones de música. Además, en el apartado “Movimiento”, música. el líder está limitado por el instrumento y el maestro debe demostrar los movimientos.
El papel protagónico del director musical no reduce en modo alguno la actividad del docente.
Los profesores suelen cometer los siguientes errores en el aula:
- La profesora se sienta con mirada indiferente.
- El profesor interrumpe la actuación.
- Dan instrucciones verbales junto con instrucciones musicales. líder (aunque no puede haber dos centros de atención)
- Perturba el curso de la lección (entra y sale del salón)
La actividad del profesor depende de tres factores
- Dependiendo de la edad de los niños: cuanto más pequeños son los niños, más canta, baila y escucha la maestra junto con los niños.
- Del apartado de educación musical: la mayor actividad se manifiesta en el proceso de aprendizaje de los movimientos, algo menos en el canto, la más baja, en la escucha.
- Del material del programa: dependiendo del material nuevo o antiguo
El profesor debe estar presente en cada lección de música y participar activamente en el proceso de aprendizaje de los niños:
- Canta junto con los niños (sin ahogar el canto de los niños). Al cantar, el profesor se sienta en una silla frente a los niños para mostrar, si es necesario, los movimientos, el tono de los sonidos, el ritmo de las palmas, etc.
- Al enseñar a los niños movimientos musicales y rítmicos (especialmente en grupos más jóvenes), participa en todo tipo de movimientos, activando así a los niños. En grupos mayores, según sea necesario (mostrando tal o cual movimiento, recordando la formación o dando instrucciones individuales sobre cómo bailar, jugar)
- Dirige la actividad musical independiente, incluida la música en los juegos, los paseos y el trabajo, utilizando la música aprendida de la música. material de supervisor.
- El profesor debe poder tocar todos los instrumentos que utilizan los niños en las clases de música para poder mostrarles correctamente cómo hacer sonidos en cada instrumento.
- Repite la letra de las canciones con los niños y no las memoriza como poesía, sino que canta con los niños.
- Repite movimientos de baile, habiendo grabado previamente la música en una casete de audio.
Cuanto más activamente haga el profesor este trabajo, más cosas nuevas podrán aprender los niños en las clases de música; de lo contrario, las clases de música se convertirán en una repetición interminable de lo mismo, es decir, "agua pisando"
El éxito de un profesor depende en gran medida de la intensidad del trabajo.el director musical está con él. Cuanto menos preparado esté el profesor, más tendrá que trabajar el director musical directamente con los niños.
Existen 2 formas de trabajo entre un director musical y un profesor
- Consultas individuales:se llevan a cabo una vez cada 2 semanas
- Introducción a los objetivos de las próximas clases.
- Dominar el repertorio (comprobado cómo el profesor interpreta las canciones y bailes infantiles)
- Pensando en formas de trabajo individual con niños
- Pensando en la introducción de la música en la vida cotidiana
- Conversaciones sobre la actividad del docente en música. clases
- Consultas grupales:
- Introducción a nuevas cuestiones metodológicas (creatividad musical, creatividad motora, aprendizaje de instrumentos)
- Componer escenas navideñas
- Pensando en sorpresas
- Discusión de varios temas.
- Clases abiertas de música (para profesores jóvenes)
- Aprender canciones para escucharlas o interpretarlas en vacaciones (prestando atención a la pureza de entonación y dicción)
- Incrementar la cultura del movimiento (además de los juegos, bailes, ejercicios infantiles, los profesores realizan movimientos más complejos que contribuyen al desarrollo de la coordinación de sus movimientos y al desarrollo musical en general)
- Realizar tareas independientes (componer un baile o ejercicio con cierta música)
- Capacitar a los docentes en el uso de un centro de música y una grabadora.
Avance:
Consulta con un director musical para profesores.
Tema: "Música de fondo en la vida del jardín de infancia".
El problema de coordinar las actividades de todos los participantes en el proceso educativo en una institución educativa y encontrar formas de solucionarlo no pierde su relevancia.
La implementación de relaciones de diálogo en el espacio educativo de un jardín de infancia proporciona a los niños una sensación de comodidad psicológica, ayuda a crear las condiciones para su desarrollo integral y ayuda al trabajo eficaz de toda la institución de educación preescolar en su conjunto.
La educación musical de un niño, como componente más importante de su desarrollo espiritual, puede convertirse en un factor formador de sistemas en la organización de la vida de los niños.
La música puede unir los esfuerzos educativos de los maestros de jardín de infantes con el objetivo de influir armoniosamente en la personalidad del niño.
Una de las opciones para utilizar el potencial del arte musical está asociada con la música de fondo, música que suena "de fondo", sin la intención de una percepción consciente en las clases y en la actividad libre. La saturación de la vida de los niños con la música, la ampliación y enriquecimiento de la experiencia de su percepción se produce debido a la acumulación involuntaria de impresiones musicales. Los profesores, al estudiar las características del desarrollo de la percepción musical, llegaron a la conclusión: no solo el aprendizaje es de gran importancia, sino también la acumulación espontánea de experiencia de percepción y reserva de entonación.
El repertorio musical para tocar de fondo es seleccionado conjuntamente por el director musical, el docente, el psicopedagogo y el docente-metodólogo.
El uso de música de fondo es uno de los métodos accesibles y efectivos de influencia psicológica y pedagógica en un niño en una institución educativa y ayuda a resolver muchos problemas del proceso educativo:
Crear un trasfondo emocional favorable, eliminar la tensión nerviosa y preservar la salud de los niños;
Desarrollo de la imaginación en el proceso de actividad creativa, aumento de la actividad creativa;
Activación de la actividad mental, mejorando la calidad de la adquisición de conocimientos;
Cambiar la atención mientras se estudia material educativo difícil, evitando la fatiga y el agotamiento;
Relajación psicológica y física tras carga de entrenamiento, durante descansos psicológicos, minutos de entrenamiento físico.
Un profesor, al incluir música en las clases (desarrollo del habla, matemáticas, trabajo manual, diseño, dibujo, etc.), puede centrarse en las posibilidades de percepción activa y pasiva de la misma por parte de los niños. Con percepción activa, llama deliberadamente la atención del niño sobre el sonido de la música, su contenido figurativo y emocional, sus medios de expresión (melodía, tempo, ritmo, etc.). En la percepción pasiva, la música actúa como fondo de la actividad principal, no suena fuerte, como si estuviera de fondo.
Así, en las clases de matemáticas, para potenciar la actividad intelectual, aumentar la concentración y concentrar la atención, solo se utiliza el sonido de la música de fondo. A través de la percepción y evaluación activa de las impresiones musicales en las clases de desarrollo del habla, enriquecen el “vocabulario de las emociones” y activan el vocabulario evaluativo de los niños en la vida cotidiana. Durante las clases de familiarización con el medio ambiente, el docente puede recurrir a música que caracterice los fenómenos naturales, contribuyendo a la manifestación de respuestas emocionales, enriquecimiento y profundización de ideas sobre el objeto en estudio. En las clases de artes visuales, en el proceso de dibujar a partir de una idea, se puede utilizar el sonido de la música de fondo y, mientras se dibuja a partir de un modelo, ofrecer obras musicales para la percepción activa. Escuchar música afecta la expresividad de las imágenes creadas en los dibujos y la originalidad de las soluciones de color.
El sonido de la música de fondo durante los momentos rutinarios (recibir a los niños por la mañana, prepararse para las clases, prepararse para acostarse, levantarse, etc.) crea un clima emocionalmente confortable en el grupo.
La interacción de un psicólogo con un profesional médico ayudará a crear un repertorio musical óptimo que corresponda a las características fisiológicas de los niños. El psicólogo, teniendo en cuenta las características psíquicas, de género, edad y desarrollo individual de los alumnos, indicará la conveniencia de utilizar una u otra pieza musical durante el día.
La experiencia auditiva involuntaria de los niños debe reponerse sobre la base de los mejores ejemplos de la cultura musical: la música clásica transmite imágenes expresivas de conceptos eternos: belleza, bondad, amor, luz, imágenes de estados emocionales característicos tanto de un niño como de un adulto.
Repertorio aproximado de música de fondo.
(para niños en edad preescolar superior)
Relaxing (relajante): C. Debussy. “Nubes”, A.P. Borodín. “Nocturno” del cuarteto de cuerda, K.V. Falla. "Melodía".
Tónico (aumentando la vitalidad, el estado de ánimo): E. Grieg. “Mañana”, I.S. Llevar una vida de soltero. “Broma”, I. Strauss. Vals “Voces de primavera”, P.I. Chaikovski. "Estaciones" ("Campanilla de invierno")
Activador (estimulante): V.A. Mozart. “Pequeña Serenata Nocturna” (final), M.I. Glinka. "Kamarinskaya", V.A. Mozart. “Rondo turco”, P.I. Chaikovski. "Vals de las flores" (del ballet "El Cascanueces")
Calmante (pacificante): M.I. Glinka. "Alondra", A.K. Liadov. “La tabaquera musical”, C. Saint-Saens. "Cisne", F. Schubert. "Serenata".
Organizar (promover la concentración de la atención durante las actividades organizadas) I.S. Llevar una vida de soltero. "Aria", A. Vivaldi. “Estaciones” (“Primavera”, “Verano”), S.S. Prokófiev. "Marzo", F. Schubert. "Momento musical"
Algunas obras musicales tienen un uso multifuncional, por ejemplo, los ciclos musicales de P.I. Tchaikovsky y A. Vivaldi “Las estaciones”, ballet de P.I. Tchaikovsky “El Cascanueces”, obra de V.A. Mozart,etc.
La música, al desarrollar la capacidad de experimentar emociones y sentimientos que surgen en el proceso de percepción, influye en la mejora de la capacidad de respuesta emocional de los niños en la vida real. Las impresiones musicales y estéticas contribuyen al desarrollo de los centros emocionales del cerebro, activando la actividad mental, importante para el desarrollo intelectual del alumno. Al influir en el desarrollo moral y estético de un niño, la música puede ser una base valiosa para el sistema educativo en una institución de educación preescolar.
Desarrollo musical tiene un efecto insustituible en el desarrollo general del niño: se forma la esfera emocional, se mejora el pensamiento, el niño se vuelve sensible a la belleza en el arte y la vida.
Es muy importante que desde temprana edad el niño tenga a su lado un adulto que pueda revelarle la belleza de la música y darle la oportunidad de sentirla.
Es reconocido en todo el mundo que las mejores condiciones para el desarrollo de la educación infantil, incluido el desarrollo musical, se crean en la familia. Depende de las inclinaciones musicales innatas, el estilo de vida de la familia, sus tradiciones, la actitud hacia la música y la actividad musical, y la cultura general...
El tipo principal y principal de actividad musical de los niños es la percepción de la música. Este tipo de actividad está disponible para el niño desde el momento de su nacimiento. La canción de cuna de una madre es la primera introducción a la música. La falta de impresiones musicales imposibilita el dominio del lenguaje musical.
Un bebé nace con un analizador visual prácticamente subdesarrollado, pero ya es capaz de distinguir muchos sonidos y reaccionar a ellos con una sensibilidad inusual. Las primeras reacciones a los sonidos son bastante primitivas: estremecerse, parpadear, llorar, congelarse. Poco a poco se desarrolla la atención al sonido y la capacidad de localizar la fuente del sonido. La audición tonal se desarrolla mucho más lentamente en los niños.
El sentido del ritmo es inherente a todos los niños, pero se puede enseñar el sentido de la música. Debe escuchar cualquier música con su hijo, así como canciones y canciones de cuna para niños. Debes fomentar tu deseo de bailar, marchar, aplaudir y también fomentar tu deseo de tocar instrumentos musicales. El primer instrumento puede ser uno de los tambores, y este puede ser cualquier cosa, desde una sartén hasta una pandereta.
S. Lupan en su libro “Cree en tu hijo” anima a los padres : "¡Cantar!" Si a los padres les da vergüenza cantar, es mejor hacerlo solo en presencia del bebé. Se deben cantar canciones infantiles, para que el niño aprenda una serie de melodías sencillas y aprenda a reproducirlas también se deben cantar canciones "de adultos".
Los niños no pueden sentir la música peor que los adultos. Es cierto que no entenderán todas las palabras. Pero los adultos, que escuchan música extranjera, tampoco entienden la letra.
Es necesario grabar música diferente (de buena calidad) en cintas de casete, mencionar los nombres de los intérpretes, llamar la atención del niño sobre la belleza de la voz humana, su singularidad.
Para el desarrollo musical en la familia se utilizan los siguientes métodos pedagógicos:
vMétodo visual-auditivo - básico.
Si un niño crece en una familia donde no sólo se toca música entretenida, sino también clásica y folclórica, naturalmente se acostumbra a su sonido y acumula experiencia auditiva en diversas formas de actividad musical.
vMétodo visual-visual La educación familiar tiene sus ventajas. Se trata de mostrar a los niños libros con reproducciones de pinturas y presentarles las tradiciones y rituales populares.
vmétodo verbal También es importante. Breves conversaciones sobre música y comentarios de un adulto ayudan al niño a sintonizarse con su percepción. Mientras escucha, un adulto puede llamar la atención del niño sobre los cambios de humor y de sonido.
vmétodo práctico (aprender a tocar instrumentos musicales infantiles, canto, movimientos musicales y rítmicos) permite al niño dominar ciertas habilidades y destrezas de interpretación y creatividad.
1. Deja que en tu hogar reine el espíritu de amor y respeto por la música.
2. Explora la música con tu hijo, sorpréndete, enojate, regocíjate con él cuando suene la música.
3. Deje que la música sea una invitada bienvenida y de honor en su hogar.
4. Deje que el niño tenga muchos juguetes que suenen: tambores, flautas, metalófonos. Se pueden utilizar para organizar orquestas familiares y fomentar “tocar música”.
5. Enseñar a los niños a escuchar música con atención, tener la televisión así sin más es enemigo de la educación musical. La música sólo tiene efecto si la escuchas.
6. Tómate en serio el lado musical del desarrollo de tu hijo y descubrirás que lograrás mucho en todo lo relacionado con su adecuada educación.
7. La manifestación temprana de las habilidades musicales indica la necesidad de iniciar el desarrollo musical del niño lo antes posible.
8. No deberías enojarte si tu bebé no está de humor para cantar algo o no tiene ganas de bailar. O si surgen tales deseos, entonces cantar, en su opinión, parece lejos de ser perfecto y los movimientos son divertidos e incómodos.
¡No te enfades! Los ahorros cuantitativos definitivamente se convertirán en ahorros cualitativos. Esto requerirá tiempo y paciencia.
9. La ausencia de alguna de las habilidades puede obstaculizar el desarrollo de otras. Esto significa que la tarea del adulto es eliminar el freno no deseado.
10. No etiquetes a tu hijo. "no musical", si no has hecho nada para desarrollar esta musicalidad en él .
Memo para padres "¿Cómo escuchar música con tu hijo?"
¿Cuánto tiempo?
La atención de un niño de 3 a 4 años a la reproducción continua de música es estable durante 1 a 2,5 minutos, y con pequeñas pausas en el sonido entre piezas, de 5 a 7 minutos. La audiencia puede ser más o menos larga dependiendo de las características individuales del niño y de su condición física.
¿Cómo?
Prepare una grabadora y un casete con anticipación. Busque la pieza que desea escuchar en la cinta de casete. Determina la fuerza del sonido. ¡La música no debe estar alta! Advierta a los miembros de la familia que guarden silencio y no entren a la habitación mientras suena música. Invita a tu hijo a escuchar música, también puedes invitar a alguno de tus familiares. Tanto niños como adultos escuchan música sentados.
¿Cuando?
Elija un momento del día que sea conveniente para el niño y el adulto (cuando el niño no esté interesado en jugar, no esté emocionado porque alguien entre a la casa y se sienta bien). Mejor después del desayuno o la siesta.
El segundo casete para niños está compuesto por canciones que cantan en las clases de música. Si grabas a mediados de enero, obtendrás entre 6 y 7 canciones. Grabe la misma canción dos veces: la primera vez interpretada solo por el director musical o junto con los niños, la segunda vez, grabando "menos uno", es decir. Sólo acompañamiento musical. Así, el niño tiene la oportunidad de escuchar la canción y cantar como quiera: en conjunto (primera opción) o de forma independiente (segunda opción).
Es necesario que los adultos apoyen con paciencia y cuidado los intereses del niño en “sus cintas”.
Un niño puede escuchar grabaciones de canciones y cantar mientras está de pie, sentado o jugando. Los padres dicen que los niños, mientras cantan, a menudo sientan sus juguetes (muñecos, osos) en fila o miran libros.
A principios de abril se graban en cintas de casete las canciones que cantan los niños desde enero. Los padres deben conservar estos registros y no borrarlos. Los niños también suelen pedir escuchar sus canciones el próximo año.
En las matinés infantiles, los padres no sólo son invitados, sino también participantes. Los niños los invitan a un baile en pareja, junto con los niños cantan canciones, participan en juegos y en primavera pueden montar pequeñas actuaciones con la participación no solo del niño, sino también de sus padres. En este caso, el director musical ya realiza ensayos individuales por separado con cada uno de los padres en el horario que le conviene y en ausencia de niños. A los adultos se les debe enseñar a leer textos expresivamente y a representar una escena.
ESTO ES INTERESANTE
La musicoterapia y su impacto en una persona.
La musicoterapia puede ser pasiva o activa. Activo – una persona toca un instrumento, canta, pasivo – sesiones de escucha de música.
En el Instituto de Medicina Tradicional de Moscú se han desarrollado y se utilizan activamente programas musicales: "antiestrés", "asma bronquial", "úlcera de estómago", "hipertensión".
Una forma de musicoterapia son los ejercicios vocales activos.
Se ha descubierto que durante el canto se produce una vibración especial de los órganos internos. Por un lado, ayuda al diagnóstico y, por otro, activa las funciones respiratorias y circulatorias.
En Tambov se realizaron estudios sobre el efecto de la música en la mejora del funcionamiento del corazón y del cerebro, durante los cuales la música ayuda a normalizar el ritmo cardíaco. Los dispositivos registraron una clara activación del cerebro.
El efecto máximo lo produce la música espiritual y el repique de campanas, lo que da como resultado la normalización del sueño, la reducción de los niveles de ansiedad, la mejora de la memoria y el rendimiento.
El profesor Sergei Vaganovich Shushardzhan, doctor en ciencias médicas (al mismo tiempo cantante de ópera), realizó una investigación sobre células tumorales. Las culturas experimentales se colocaron en el espacio entre los auriculares y se expusieron a 4 programas: música clásica, música pop-sinfónica, música rock y cantos espirituales medievales. Los cánticos espirituales tuvieron el efecto más poderoso.
El repique de campanas afecta el funcionamiento de los sistemas circulatorio y linfático humano, se conocen experiencias en el tratamiento de enfermedades mentales. El repique de las campanas “mata” gérmenes y bacterias (efecto de ultrasonido).
La música percibida por el receptor auditivo afecta el estado general de todo el organismo, provocando reacciones asociadas a cambios en la circulación sanguínea y la respiración.
MÚSICA EN LA COCINA
Incluso utensilios de cocina tal vez¡No seas un instrumento musical!
· Comencemos con cucharas comunes, es mejor tomar cucharas de madera y golpearlas con el ritmo correcto contra la palma de la mano.
· De una cacerola, cuya parte superior está bien cubierta con polietileno denso, obtendrás un tambor.
· También puedes golpear cacerolas y cucharones de aluminio con una cuchara. Si no golpeas tan fuerte como puedas, obtendrás un excelente instrumento musical.
· Si te gustó, intenta interpretar la canción popular "La luna brilla", acompañada de "instrumentos musicales" como
♫ anteojos
♫ ralladores
♫ platos
♫
Este mensaje fue escrito el viernes 13 de septiembre de 2013 a las 19:21 en la sección , . Puede recibir mensajes suscribiéndose al feed. Puede
Consulta para educadores.
(Seminario de formación)
“El papel del director musical en una institución de educación preescolar y su interacción con el docente, como condición necesaria para el desarrollo de las habilidades creativas de los niños.
El objetivo principal de la educación musical en el jardín de infancia es preparar para la escuela a un niño estéticamente educado y desarrollado que sea capaz de percibir emocionalmente el contenido de una obra musical, de estar imbuido de su estado de ánimo, pensamientos y sentimientos.
Cultivar el gusto artístico en los niños y la capacidad de respuesta emocional a la música son las tareas principales de los maestros de jardín de infantes.
El director musical de una institución preescolar es igualmente músico - intérprete y maestro - músico. El conocimiento de las características y patrones psicológicos y pedagógicos del trabajo educativo en el jardín de infancia ayuda a seleccionar eficazmente métodos y técnicas innovadoras de enseñanza y desarrollo, moldear con éxito las habilidades musicales del niño e influir en el equipo de niños desde el punto de vista de la pedagogía humana. El objetivo principal de un maestro-músico no es qué y cuántos conocimientos y habilidades le dará a un niño en edad preescolar, sino si podrá convertirse en cómplice y socio de los estudiantes, si los ayudará a emprender un viaje hacia El maravilloso mundo de la música.
Las actividades de un director musical en una institución preescolar son variadas. Se trata, en primer lugar, de organizar y realizar clases de música de acuerdo con el programa elegido por esta institución preescolar.
En el desempeño de funciones educativas, el director musical debe tener habilidades organizativas, comunicativas y constructivas.
Además de impartir clases de música, las responsabilidades del director musical incluyen planificar y dirigir:
1. clases regulares - talleres con profesores de cada grupo de edad;
2. consultas sobre la organización de zonas musicales en grupos, selección de juegos musicales y didácticos;
3. veladas de ocio y entretenimiento
4. matinés festivos;
5. Juegos musicales y didácticos (incluida la elaboración de juegos y manuales didácticos).
El director musical trabaja para que la música esté constantemente presente en la vida diaria del jardín de infancia (en las clases de artes visuales, desarrollo del habla, educación física, paseos, etc.)
El contacto de un músico-profesor con los padres es muy importante: consultas, ayuda en la organización de una fonoteca en casa, recomendaciones sobre la selección y uso de instrumentos musicales infantiles, escuchar música, ver programas de televisión, etc.
El director musical trabaja en la autoeducación, mejorando las habilidades interpretativas, adquiriendo nuevos conocimientos y percepción analítica de sus propias actividades.
En los grupos de jardín de infantes, el maestro es un participante activo en el proceso pedagógico. Ayuda al director musical en la dirección de clases. Las funciones del docente en cada grupo de edad son diferentes, y el grado de actividad en la lección está determinado por la edad de los niños y las tareas específicas que se enfrentan en esta lección. El profesor juega el papel más importante en aquellas partes de la lección que están asociadas a actividades musicales y rítmicas: ejercicios, bailes, juegos. Canta con los niños, juega con ellos, dirige bailes circulares, les ayuda a realizar diversas acciones, el maestro participa en la demostración de movimientos en ejercicios y bailes. El más pequeño está escuchando música. En su trabajo, el maestro actúa únicamente siguiendo las instrucciones del director musical (cuando se familiariza con la música instrumental, mantiene una conversación basada en una imagen, cuando canta puede interpretar un verso o frase separada, cuando aprende un juego, elige un líder, ayuda a distribuir roles, es decir, no participa, sólo organiza).
¡Solo un estrecho contacto pedagógico entre el director musical y el profesor dará un resultado positivo en las clases de música!
Es necesario consolidar las habilidades y destrezas adquiridas por los niños en el aula, y esto significa que la música también debe sonar durante el trabajo individual, los ejercicios matutinos, los juegos al aire libre, la realización de juegos didácticos y de entretenimiento, en las horas de ocio vespertino, y convertirse en una ilustración para un cuento, cuento de hadas, etc. El docente debe garantizar la continuidad entre las clases musicales y otras partes del proceso de educación y desarrollo musical de los niños. Las tareas de un docente para el desarrollo musical de los niños fuera de las clases de música incluyen: corrección, consolidación de habilidades adquiridas en las clases de música; ampliar ideas y horizontes musicales, identificar y dar forma a las inclinaciones e intereses musicales de cada niño; desarrollo de habilidades musicales y métodos de acción independientes. En el trabajo individual, el docente debe tener en cuenta las características del niño, sus habilidades para la música y el movimiento, el grado de dominio de la materia musical; activar niños pasivos, promover la formación de intereses musicales. Para solucionar estos problemas, el educador debe tener ciertos conocimientos musicales y estéticos. Y a la hora de elegir el acompañamiento musical para diversas actividades, conviene pensar en el contenido de las obras y su impacto emocional.
El papel del maestro a la hora de guiar las actividades independientes de los niños es excelente. En su trabajo, el docente debe utilizar métodos de liderazgo indirecto y un enfoque creativo flexible. Forma activamente los intereses artísticos del niño e influye en sus impresiones musicales recibidas en clases, vacaciones y en la familia.
De gran importancia es la creación de condiciones propicias para el surgimiento de la actividad musical de los niños por iniciativa propia: zona musical, atributos, ayudas, etc.
Así, las principales cuestiones del desarrollo musical y estético de los niños en edad preescolar las decide el director musical, y al maestro se le asigna el papel de su asistente, pero estas relaciones se caracterizan por una unidad de propósito, que es el desarrollo musical del niño. como objeto principal de las relaciones pedagógicas.
La música es un medio fuerte y vibrante para desarrollar la individualidad creativa y el desarrollo espiritual de la personalidad. Es innegable que tiene una enorme influencia en la formación de la individualidad y en el desarrollo de la formación espiritual de la persona, desde la primera infancia. En una de sus obras, el gran crítico ruso V.G. Belinsky escribió: “La influencia de la música en los niños es beneficiosa y cuanto antes comiencen a experimentar su influencia en ellos mismos, mejor para ellos. No traducirán sus verbos impronunciables al lenguaje de sus hijos, pero los grabarán en sus corazones, no los reinterpretarán a su manera, no despotricarán contra ella; pero llenará de armonía sus almas jóvenes”. Y no podemos dejar de estar de acuerdo con esta afirmación, especialmente porque las bases del desarrollo de la personalidad se sientan en la infancia.
Es natural que un niño desee vivir en un mundo de colores, sonidos y diversas formas. Este mundo es una fuente inagotable de desarrollo de los sentimientos y la imaginación. ¿Cuál será su estrella guía en este mundo, qué atraerá y guiará al bebé, de qué fuente sacará fuerzas? Por supuesto, ésta es la belleza del mundo mismo.
En el futuro, todos queremos ver a nuestros hijos como personas creativas, espiritualmente ricas, culturalmente educadas y con un gusto estético desarrollado. Con su actitud hacia el arte (pasión o indiferencia) los adultos que los rodean tienen una gran influencia en la formación de las bases de las orientaciones valorativas de los niños. El desarrollo estético de un niño será mucho más armonioso si cerca hay alguien profundamente apasionado por las bellas artes, la música, el teatro, que ve y siente la belleza del mundo que lo rodea, la naturaleza y las relaciones humanas.
La música también puede convertirse en el lenguaje de comunicación de un niño en la primera infancia. La música tiene un lenguaje especial que nos permite transmitir los matices más sutiles de los estados, experiencias y relaciones humanas. “La música expresa todo aquello para lo que no hay palabras, sino lo que se pide al alma y lo que se quiere expresar”, escribió P. I. Tchaikovsky.
Como resultado de la comunicación con la música, se transmiten al niño sus estados de ánimo y sentimientos: alegría, tristeza, ansiedad y arrepentimiento, determinación y ternura. Este es el poder del impacto psicológico de la música; gracias a ella se desarrolla la receptividad y la sensibilidad. Es la música, en nuestra opinión, la que puede convertirse en un núcleo emocional y evaluativo que permita al niño formarse una percepción estética de otros tipos de arte y el mundo circundante, desarrollar el pensamiento imaginativo, la imaginación y la conciencia estética. Por tanto, la formación de los fundamentos de la cultura musical, y a través de ella la cultura artística y estética del niño, es la tarea más urgente de hoy, que permite realizar las posibilidades del arte musical en el proceso de formación de la personalidad. No hay duda de que la comunicación con la música, principalmente la clásica, así como el “canto” de la música en movimiento y voz, es de gran importancia para el desarrollo y formación del pensamiento desde el día del nacimiento y durante toda la vida.
El principal problema que refleja el estado actual de la crianza, la formación y la educación es el problema del desarrollo del pensamiento. El estudio del individuo (niño, adolescente, joven), como sujeto de las actividades educativas y educativas, se realiza sobre la base de enfoques teóricos, metodológicos, psicológicos y pedagógicos.
Uno de los principios fundamentales que garantiza que los niños dominen con éxito los conceptos básicos del conocimiento moderno es el carácter teórico de su actividad mental. Las bases de un pensamiento de este tipo deben formarse en los niños a una edad temprana, en la edad de la escuela primaria, y su desarrollo posterior se produce en las etapas media y superior de la educación.
En la educación debemos partir de las necesidades del propio niño. Un niño en general, y los niños en especial, necesitan moverse mucho para el correcto desarrollo del cuerpo: caminar, correr, saltar, trepar, lanzar. Esta es una característica fisiológica de la infancia, expresa su actividad, hay un aumento del metabolismo, se desarrolla el sistema muscular y mejora el trabajo de los centros nerviosos. Cuanto más pequeño es el niño más necesita movimiento, y por ello se debe introducir el movimiento sistemático y musical como disciplina constante y cuanto antes mejor. Estos movimientos deberían enseñar al niño a controlar libremente los órganos individuales de su cuerpo, desarrollar la coordinación de movimientos y el autodominio (coraje, determinación, ingenio, inteligencia). La música, fusionándose con el movimiento, conecta las reacciones motoras con las leyes del ritmo musical, a través de la música se educan los centros motores, se une la actividad de los centros neuromusculares y la audición, se desarrolla la coordinación de los movimientos y se conserva la fuerza.
Al mismo tiempo, no se debe perder de vista que el proceso de percepción musical directa es ambiguo y también influye en el desarrollo y formación de una personalidad creativa.
La percepción siempre se ve afectada por los intereses, las relaciones y toda la experiencia artística y de vida preliminar de una persona. Y, como ya se señaló, en este proceso juega un papel especial el oído, la capacidad de escuchar el entorno, sentir, comprender, apreciar la belleza de los colores y formas, la armonía de los sonidos y disfrutarlo. Después de todo, la percepción estética genuina siempre está asociada con la excitación emocional, la experiencia del placer estético y la experiencia de la belleza de un objeto.
El proceso de formación de la percepción surge de la orientación del docente-psicólogo y educador hacia la percepción estética, que anticipa impresiones y experiencias. Después de lo cual podrás dedicarte libremente a su contemplación y sumergirte en el elemento sensual. Es “la inmersión en los elementos de los sonidos, los colores, las formas, en los elementos de las palabras de un poema o la plasticidad del movimiento que es característica del proceso de percepción artística”... Este deseo de percibir la riqueza sensorial, de sentir es una característica esencial de la percepción artística.
La siguiente etapa es un intento de penetrar en lo que estos sonidos, colores y formas transmiten, revelan y expresan. Esta nueva etapa de cognición será la percepción de una imagen artística.
En el curso de una mayor profundización de la percepción, no sólo comienza a percibirse y comprenderse la imagen artística capturada en la obra, sino también la obra de arte misma como un fenómeno significativo. La obra se convierte en la encarnación y símbolo de aspectos significativos de la vida, la creatividad y el conocimiento humano. Este es el nivel más alto de cognición, ya que en el proceso de movimiento de percepción está incluida toda la personalidad humana con su cosmovisión, ideales, sentimientos morales y actitud ante la vida.
Científicos y profesores de renombre prestaron atención a los requisitos del repertorio para que los niños lo escuchen e identificaron las siguientes características y requisitos generales para el repertorio para niños:
selección de tres fuentes: música folclórica, clásica y moderna;
selección de obras que promueven la bondad y están imbuidas de humanismo;
penetración en el mundo de los sentimientos de los niños, reflejo de sus intereses, imaginería, accesibilidad;
brillo, memorabilidad, dependencia de la entonación y estructura modal de la música de diferentes naciones;
reflejo de diferentes formas musicales (incluidas las más grandes), diferentes géneros;
un reflejo de las búsquedas modernas en el campo de la mejora y modernización del lenguaje musical, manteniendo un nivel artístico que cumpla con las exigencias del gran arte.
Sin embargo, en la práctica de los jardines de infancia, el “repertorio infantil” en realidad desplaza a la música clásica. Se utiliza más bien como excepción, ocasional y principalmente en personas de edad avanzada. A temprana edad no se acostumbra a acumular valiosas impresiones musicales necesarias para la formación de un “tesauro”, la experiencia de percibir ejemplos altamente artísticos de clásicos musicales. Así, al privar a los niños a una edad temprana de la oportunidad de escuchar música clásica, perdemos un período de edad "sensible" favorable para el desarrollo de la capacidad de percibir música, al perderlo creamos dificultades adicionales en materia de música. desarrollo, y tal vez lo perdamos irrevocablemente.
Con base en el análisis de la literatura psicológica y pedagógica y los resultados de nuestras propias observaciones, podemos sacar conclusiones preliminares de que no es indiferente qué tipo de música escucha un niño y con qué repertorio se le educa. Por lo tanto, es importante promover la acumulación de experiencia en la percepción de clásicos musicales por parte de los niños, la formación de estándares de percepción únicos, es decir. Es necesario encontrar no sólo una forma de presentar la música a los niños, sino mejorar el contenido de la educación misma.
Las condiciones pedagógicas para el desarrollo exitoso de la percepción musical en la primera infancia son:
perfección artística, brillo y accesibilidad emocional de las obras musicales;
repetición de impresiones (repetición de sonido);
crear un estado de ánimo emocional apropiado a la naturaleza de la música;
crear un trasfondo emocional positivo para la comunicación entre un niño y un adulto, fomentando el éxito del niño.
animar a los niños a participar en actividades motoras y vocalizaciones.
Habiendo examinado las principales posiciones de la influencia de la música en el desarrollo de la individualidad, podemos resumir todo lo anterior.
La música, al ser una de las formas de arte más influyentes, tiene un gran impacto en el mundo subjetivo del individuo.
Los sentimientos, necesidades e ideales estéticos estimulan actividades socialmente útiles y ésta, en nuestra opinión, es la principal función educativa del arte y de la música en particular.
La comunicación con el arte es de gran importancia en la formación psicológica del individuo, en el desarrollo de sus inclinaciones humanas universales y cualidades personales. Al recibir una gran cantidad de impresiones de obras artísticas y musicales, el niño las procesa y las implementa en su actividad creativa, desempeñando así un papel invaluable en el desarrollo de la individualidad creativa.
El mundo moderno se caracteriza por procesos extremadamente contradictorios que ocurren en todas las esferas de la vida de la sociedad y que no siempre se realizan en su totalidad de creatividad ontológicamente positiva. La situación se complica por la creciente crisis espiritual, que se manifiesta en el triunfo del utilitarismo, la elevación de las necesidades materiales al rango de las más altas necesidades humanas, de los recursos materiales como medida de la importancia de los individuos y de los intereses materiales como criterio para la justificación de las acciones de los actores sociales, lo que, en general, ha alterado el equilibrio: el lado material de la vida de la sociedad se ha desarrollado con mucha más fuerza que el espiritual. Como resultado, en palabras de A. Schweitzer, la civilización se ha vuelto como un barco sin timonel, que pierde su maniobrabilidad y se precipita incontrolablemente hacia el desastre.
La búsqueda de caminos y medios para salir de una situación tan contradictoria se manifiesta en la espiritualidad, en su “afirmación constante y momentánea” (M. Coulet). Según I. A. Ilyin, “nuestro tiempo no necesita más que evidencia espiritual. Porque “nos hemos perdido” y no podemos ver el “rastro”. Pero es necesario y posible encontrar una huella que conduzca a la renovación y al renacimiento espiritual”. Y todo esto está directamente relacionado con el sistema de educación y crianza de las personas, la formación en ellas de una alta espiritualidad, que es un conjunto integral de ideas, ideales, imágenes y sentimientos, enfocados en los valores de lo sublime y bello. , verdadero y justamente creativo. Por eso, es muy importante ayudar a cada persona en la formación de su espiritualidad personal, que da a la vida humana una dimensión más elevada, un significado y un sentido más elevados.
La educación de la espiritualidad es especialmente necesaria en los años preescolares, “ya que la carga de espiritualidad en estos años es más estable y persiste durante mucho tiempo, determinando la imagen espiritual y moral de una persona durante casi toda su vida”.
Entre los factores que contribuyen al fomento de la espiritualidad de los niños en edad preescolar en el sistema de educación general, la música ocupa un lugar especial. Al ser un fenómeno ideal en su naturaleza esencial, y en una realidad ontológica un reflejo de la autenticidad de los sentimientos y la intimidad del ser, tiene el potencial de ejercer una enorme influencia pedagógica en la espiritualidad humana. Su misión educativa es una llamada al bien y a la justicia, a la comprensión de un mundo más perfecto. A través de la música se forma una personalidad fuerte, creativa y viable; “permite sentir más plenamente el valor de la vida, sentir su pulso, fluir: ennoblece el mundo interior del individuo y lo convierte en un verdadero “aristócrata del espíritu”. .” Según Confucio, la música da integridad y armonía a una persona; es un medio para desarrollar el carácter de un "marido noble", cuyo rasgo distintivo era una alta espiritualidad.
Por otro lado, la música, como algo que aporta belleza al mundo terrenal, es una especie de contacto entre lo ideal y lo real, y esto permite comprender mejor las formas de establecer la espiritualidad y despertar la preocupación por los problemas morales. Según G.V.F. Hegel, las imágenes y sonidos sensuales aparecen en el arte no sólo por sí mismos y su identificación inmediata, sino para satisfacer de esta forma los intereses espirituales más elevados, ya que tienen la capacidad de despertar y tocar todas las profundidades de la conciencia. y evocar su respuesta en el alma. En el proceso de comunicación con el arte, I. Kant vio un punto importante: una persona que se excede en sus propias capacidades. Prestó atención a la estimulación por parte de una obra de arte del crecimiento espiritual del individuo, que surge como resultado de la percepción plena de una obra musical y la penetración en su esencia. Cabe señalar que la habilidad musical, en general, está directa y directamente relacionada con la razón: el "legislador de la moralidad" (I. Kant), ayuda a elevar a una persona y revelar su esencia espiritual. El significado que genera la música no es satisfacer infinitamente los propios deseos empíricos, sino revelar las propias potencialidades y, además, de la manera más diversa posible.
La importancia de la música para nutrir el principio espiritual de un individuo fue reconocida por los propios creadores del arte musical. Así, el compositor y teórico musical italiano del Renacimiento G. Zarlino argumentó que el arte de la música es capaz de expresar la armonía universal, tanto mundial como humana. En su tratado “Establecimientos Armónicos” en el capítulo “¿Con qué propósito se debe estudiar música?” escribió: “La música debe estudiarse no como una ciencia necesaria, sino como una ciencia libre y digna, ya que a través de ella podemos lograr una conducta buena y digna que conduzca por el camino de las buenas costumbres...” G. Handel quería que su música no sólo diera placer, sino que bajo su influencia la gente se convirtiera en mejores personas. Esto está en consonancia con el sueño de L. Beethoven de “quitar el fuego a las almas valientes”.
Expertos en el campo de la pedagogía musical - L. A. Barenboim, A. B. Goldenweiser y G. G. Neuhaus, teóricos y metodólogos en el campo de la educación musical - B. V. Asafiev, escribieron sobre el impacto espiritual y moral de la música, su capacidad para ennoblecer a una persona. O. A. Apraksina y B. L. Yavorsky. Así, B.V. Asafiev llamó a la música la encarnación “eternamente viva” de todo lo que suena en la naturaleza y en el alma humana, y llamó no sólo a entretener con la música, sino a convencer y deleitar con ella.
Una visión de la música desde un punto de vista moral también fue característica de muchos profesores de siglos pasados. Ya. A. Komensky consideró la educación musical como un medio eficaz para moldear la espiritualidad de una personalidad en crecimiento, señaló la necesidad de familiarizarse con la música nacional ya en la "Escuela de la Madre" y propuso la inclusión obligatoria de la música en el programa de los cuatro. niveles de educación. S. L. Montesquieu destacó la capacidad de la música para despertar todos los sentimientos y suavizar la moral, gracias a su capacidad para evocar sentimientos de mansedumbre, compasión, ternura, etc. D. Hume destacó el importante papel del arte y especialmente de la música en la educación de las opiniones morales y sentimientos.
La música en nuestra vida es el conocimiento vivo y la idea que una persona tiene de sí misma, es el camino hacia sí misma y el descubrimiento de sí misma en sí misma. Significa un proceso continuo de autocreación y autocreación. Recurrir a él brinda oportunidades excepcionales para “expandir” la conciencia, “enriqueciendo el significado de la comunicación”; crea los requisitos previos para comprender el proceso de reflexión sobre los propios potenciales mentales y espirituales. Podemos decir que una persona que siente la música siente profunda y sutilmente el mundo, sabe ver lo bello, lo majestuoso de la vida que lo rodea y escuchar el mundo en toda su diversidad. V. A. Sukhomlinsky señaló que “la música abre los ojos a la belleza de la naturaleza, las relaciones morales y el trabajo. Gracias a la música, una persona despierta una idea de lo sublime, majestuoso, bello, no sólo en el mundo que lo rodea, sino también en sí mismo”. Sus palabras de que “sin música es difícil convencer a una persona que viene al mundo de que es bella”, concretan la tesis sobre la educación musical como educación de una persona, expresando la esencia del concepto de D. B. Kabalevsky, quien afirmó la Necesidad de educar la cultura musical de los niños en edad preescolar como parte de su cultura espiritual.
La música en el sistema educativo general es la base del proceso de educación de la espiritualidad. Los conocimientos, destrezas y habilidades adquiridos en las clases de música se convierten en una propiedad espiritual personal, que en su valor la realidad se convierte en base del crecimiento espiritual y la autoafirmación.
La música como materia académica en el sistema de educación general puede y debe utilizarse más ampliamente para cultivar la espiritualidad de los niños en edad preescolar.
La educación estética es uno de los problemas de cuya solución depende en gran medida el desarrollo futuro de la cultura humana. En la segunda mitad del siglo XX. Muchos investigadores consideran el problema de la educación estética de una manera nueva: su orientación humanista se ve gravemente agravada en relación con la tarea global de preservar y desarrollar la cultura. En la sociedad moderna, surge la cuestión de dar un nuevo estatus a la tarea de formación de la personalidad y, sobre todo, a su educación estética, que contribuya al surgimiento, fortalecimiento y desarrollo de nuevos valores y motivaciones estéticas, éticas y artísticas en cada persona. , ha surgido con particular urgencia.
Es bien sabido que el medio central y principal de la educación estética es el arte, que se distingue por su impacto universal en el individuo en todas las direcciones. Cada tipo de arte influye específicamente en la formación del mundo interior de una persona. La música ocupa un lugar especial en el sistema del arte debido a su impacto directo y complejo en los humanos. Siglos de experiencia e investigaciones especiales han demostrado que la música afecta tanto a la psique como a la fisiología de una persona, que puede tener un efecto calmante y estimulante y evocar diversas emociones. En este sentido, la tesis sobre la importancia de la educación musical del individuo, su importancia para el desarrollo de las propiedades mentales generales (pensamiento, imaginación, atención, memoria, voluntad), para la educación de la capacidad de respuesta emocional, la sensibilidad espiritual, moral y estética. Los ideales del individuo se están estableciendo cada vez más en el sistema de educación estética. La participación de la música en los procesos educativos ha cobrado especial relevancia en la actualidad. No es ningún secreto que la diferenciación de las ciencias y la estrecha profesionalización crean el peligro de convertir a las personas en especialistas "unilaterales" y limitados.
En la situación sociocultural moderna, la música pasa cada vez más a un primer plano en la estructura de las preferencias artísticas de los jóvenes. Se sitúa por delante de otros tipos de arte en cuanto a consumo se refiere por sus características sensoriales directas de impacto. Pero detrás de tal imagen se esconden complejas contradicciones de existencia, percepción y orientaciones valorativas en el arte de la música. Éste, por ejemplo, es el sesgo unilateral de la mayoría de la gente hacia la música pop y de entretenimiento, hacia esa pequeña parte del vasto mundo del arte musical que no requiere grandes esfuerzos intelectuales y morales para comprenderla. Los medios modernos han creado la posibilidad de “disolver” la música en el ámbito de la producción, la vida cotidiana y el ocio. Cada vez es más difícil percibirlo como un todo artístico. Por el contrario, la posibilidad de escuchar música de fondo sin percibirla plenamente se está convirtiendo en algo habitual. Este nivel de cultura de percepción forma un tipo de cultura musical consumista superficial en su conjunto, cuando no existe una subjetivización completa de los aspectos emocionales, intelectuales, morales y humanistas de una obra musical. El lugar de la cultura ausente de las relaciones con los valores musicales lo ocupan las demandas superficiales de los consumidores dictadas por la moda y el prestigio. Hoy en día, se encuentra cada vez más un tipo especial de cultura musical personal, caracterizado por el hecho de que detrás de la pasión externa por la música hay una separación de ésta de las capas humanísticas de contenido. Este tipo de cultura musical, en la que predomina el contacto superficial con obras musicales con fines puramente de entretenimiento, es perjudicial para el individuo. Contradice las posibilidades humanísticas potenciales de todo arte musical.
La percepción de la música, por supuesto, depende del individuo que entra en contacto con este arte. La formación de la cultura musical y estética del individuo, un indicador único del desarrollo de la persona misma, es uno de los objetivos más importantes de la educación estética. Al recrear la experiencia emocional de la humanidad, la música revela la capacidad de cada persona para experimentar los sentimientos más complejos, les da fuerza moral, fomenta el coraje, la fe en la vida, la belleza, enriquece los sentimientos y el intelecto. Según V.A. Sukhomlinsky: “La educación musical no es la educación de un músico, sino, ante todo, la educación de una persona.
Detalles específicos de la percepción y el impacto del arte musical en la personalidad.
Las reflexiones sobre la esencia del arte y su significado para la formación de la personalidad acompañan la historia de la humanidad desde la antigüedad. En primer lugar, se trataba de la educación de una persona específica, como lo demuestran los antiguos tratados chinos, y la información sobre la educación y crianza musical en el Antiguo Egipto y la India, y los sistemas de educación estética de la Antigua Grecia. Ennoblecimiento del alma y del cuerpo, armonía de lo externo y lo interno (ideal helénico), influencia en la naturaleza ética del hombre (Aristóteles), desarrollo del sentido de ciudadanía y comunidad social (John de Groheo), educación del espíritu, intelecto, emociones. (como lo demuestran los trabajos de filósofos posteriores, líderes eclesiásticos, científicos de diversos campos de las humanidades, profesores, etc.) son ejemplos de cómo las posibilidades educativas de la música han sido comprendidas y descubiertas en todo momento.
Otra cosa también es indicativa: a lo largo de la historia, en diferentes épocas, se ha constatado una conexión objetiva entre la naturaleza del mundo y la naturaleza del hombre, caracterizadas en las mismas categorías estéticas. Los pitagóricos, por ejemplo, consideraban necesario hacer “musicales” su cuerpo y su alma, pero un estado bien ordenado también es “musical”, porque obedece al “modo correcto”, pero el más “musical” de todos es el cosmos. Uno de los autores de finales de la Edad Media construye un sistema de leyes estéticas, y su nivel superior, la "música divina", implica un orden mundial universal. Y un investigador completamente moderno concluye que "las leyes de la vida son musicales, y la musicalidad es el signo más importante de la belleza".
De hecho, en todo momento se trató nada más que del desarrollo, con la ayuda del arte, de los principios estéticos en la vida humana, del desarrollo de la cultura y la sociedad humanas, una tarea que conserva y fortalece su relevancia en el mundo moderno.
La primera y principal característica de la música, que da origen a todas las demás, reside en el carácter entonacional de esta forma de arte. La música es cercana y comprensible debido a su similitud con las entonaciones del habla humana. Tiene la misma edad que el habla humana.
La entonación en la música como manifestación del habla, la conciencia y el pensamiento humanos se revela profundamente en las obras del famoso musicólogo ruso, el académico B.V. Asafieva. Desde la aparición de su teoría de la entonación, ni una sola cuestión estética en musicología se ha resuelto dialécticamente en la historia del arte sin recurrir a este concepto. La entonación comenzó a ser considerada como una base, como un “pensamiento musical” expresado en sonido que subyace a la imagen musical de una obra, contenido y forma, método y estilo creativo, realismo, nacionalidad y otros aspectos de una obra musical.
El segundo aspecto de la especificidad de la percepción y comprensión de una imagen musical radica en las peculiaridades de su estatus epistemológico.
El arte musical tiene una base objetiva. Pero no reside en la reproducción naturalista de las emociones, ni en la reconstrucción de imágenes sonoras del mundo objetivo, ni en la transferencia de fenómenos acústicos al campo del pensamiento musical. Una persona entona sobre el mundo y sobre sí misma con la ayuda de medios de expresividad musical históricamente establecidos, llamados lenguaje musical. Un pensamiento musical entonado aparece en forma de un lenguaje especial y, por lo tanto, se convierte en un lenguaje artístico, un lenguaje especial de comunicación humana.
Sin duda, la música tiene mucha menos especificidad temática y conceptual que otras formas de arte.
Pero la música es capaz de transmitir de manera más vívida y diversa las experiencias de una persona, el mundo interior de sus sentimientos y ansiedades, los estados emocionales y psicológicos, su dinámica y desbordes. Los aspectos internos, más sutiles e internos del alma humana, lo que a veces no se transmite en el lenguaje habitual de la comunicación humana, se vuelven accesibles a la expresión mediante sonidos musicales y sirven como base para imágenes específicas en la música. No es casualidad que R. Schumann dijera que donde termina la palabra, comienza la música. Los sonidos musicales, procesados de una manera especial, integrados en un determinado sistema rítmico modal, que aparecen en un cierto orden en la música de Bach, Beethoven, Glinka, etc., parecen surgir de los sentimientos, emociones y estados mentales del compositor.
Así, el ámbito de los sentimientos y emociones humanas es uno de los principales temas de reflexión en una imagen musical. Pero no pueden considerarse como un fenómeno puramente subjetivo; ellos, como otras formas de conciencia humana de la realidad, son una imagen subjetiva del mundo objetivo. En consecuencia, la música representa y expresa la realidad no directamente, como las bellas artes, que crean una imagen de cualquier parte del mundo objetivo, sino indirectamente, recreando el mundo de los sentimientos y las relaciones sensoriales. Este punto de vista quedó fundamentado en detalle en el concepto desarrollado por S.Kh. Rappoport y explicando la música como el arte de reflejar la vida y el hombre mediante medios específicos.
La tercera, la más importante y una de las principales características de la música como arte, es la profundidad y el enorme poder emocional del impacto psicológico y fisiológico en una persona. Se sabe que los antiguos griegos utilizaban la música como medio para curar dolencias físicas y mentales. La música es un arte temporal y sonoro. El material, la base física para construir una imagen musical es el sonido. Y aunque de la infinita variedad de sonidos de la naturaleza, sólo aquellos que poseen específicamente propiedades musicales sirven como material para la música, la acción de las ondas sonoras sobre los órganos del oído se produce objetivamente. Se transmite a través del nervio auditivo hasta el cerebro y da lugar a la sensación del sonido. El volumen, el timbre, el tono y la duración de un sonido musical no solo tienen un significado artístico y figurativo específico, sino que también afectan físicamente a una persona, provocando en ella un determinado estado fisiológico.
Las observaciones científicas muestran que el sonido es un estímulo sensorial más fuerte para los humanos que la luz o el color. El oído humano es capaz de percibir diferencias de tono de 16 a 20.000 vibraciones por segundo. La violación del umbral superior provoca cambios graves en el cuerpo humano. La música utiliza principalmente sonidos que oscilan entre 16 y 4000 vibraciones por segundo. Este rango está asociado con la práctica histórica del habla y el canto humanos. Los medios técnicos modernos de reproducción de música, que tienen una potencia sonora significativa, no proporcionan puntos de control para el nivel de volumen. Lamentablemente, hoy en día entre los jóvenes suele predominar una actitud absolutamente inculta hacia la música que suena a un volumen que supera cualquier medida artística.
Sin duda, la medida del volumen de un sonido musical es un valor histórico. Inicialmente, estuvo determinado por las características del instrumento musical más antiguo: la voz humana. Posteriormente aparecen instrumentos musicales para acompañar el canto. Los instrumentos favoritos de los antiguos griegos eran la lira, la cítara, la flauta de pan y el aulos. Durante la Edad Media en Europa, el laúd se convirtió en el instrumento de la música casera; el órgano predominaba en los conciertos, la vida religiosa y ritual. El siglo XVII se llama la “Edad de Oro” del violín. Las mejoras en la mecánica del clavicémbalo dieron lugar a la aparición del piano. Su naturaleza versátil ha contribuido a la creciente popularidad de este "instrumento más inteligente". Cada instrumento educó el oído musical de la generación en el rango de volumen apropiado. En el contexto del desarrollo de los medios, con el uso generalizado de instrumentos electrónicos, la densidad del sonido ha aumentado notablemente. El oído humano es capaz de apreciar los méritos de la música “técnica” en todos aquellos casos en los que la tecnología no se convierte en un obstáculo para la música en sí, sino que, por el contrario, la enriquece con nuevas posibilidades expresivas. Pero, por supuesto, la música instrumental y vocal en vivo, la cultura y la riqueza del sonido musical en condiciones de interpretación directamente creativa siguen siendo la verdadera fuente de una percepción plena del arte musical.
Por lo tanto, el impacto de la música en una persona tiene un carácter pronunciado no solo artístico y figurativo, sino también fisiológico. Los rasgos característicos señalados del arte musical (su expresividad entonacional, su naturaleza epistemológica y su impacto fisiológico sensorial concreto en una persona) nos permiten abordar la cuestión de la influencia que tiene la música en el desarrollo del individuo en su conjunto.
Naturaleza social-funcional de la música:
Influencia estética y educativa en una persona.
Las funciones socializadoras de la influencia de la música en la personalidad son variadas. Al igual que en la sociedad, puede servir al individuo como medio de cognición, comunicación, educación de determinadas emociones, sentimientos, etc. La historia no conoce civilizaciones ni individuos que pudieran prescindir de la música. El mundo en el que existe una persona está lleno de música, y es objetivamente necesaria para una persona, ya que con su ayuda se satisfacen una serie de necesidades sociales del individuo.
Si en la teoría estética la cuestión del contenido y el número de funciones sociales del arte en su conjunto aún no se ha resuelto de manera consistente, en la musicología se ha desarrollado aún menos. Aunque muchos filósofos y músicos destacados han escrito sobre el papel de la música en la educación humana desde la antigüedad, no existe un punto de vista generalmente aceptado sobre este tema en la investigación científica moderna. El célebre musicólogo A. Sokhor, entendiendo la función de una obra de arte como el resultado real de todo el sistema de su influencia sobre el perceptor, identificó funciones propagandísticas, educativas, de entretenimiento y decorativas, educativas, cognitivas, de placer desinteresado, estéticas, etc. Entre todos los efectos estudiados de la música, el científico colocó en un lugar especial en las personas dos superfunciones: la educativa y la estética, fusionándose con la educativa y estética. Debido a las posibilidades ilimitadas del impacto emocional de la música y el límite de las capacidades cognitivas, la superfunción educativo-estética, según el autor, domina sobre las demás, ya que sirve para formar todo el mundo espiritual de una persona.
La teoría de A. Sokhor sobre la multifuncionalidad de la música tuvo su significado positivo en una determinada etapa de la historia del conocimiento musical y estético. El nivel actual de estudio de la cultura musical de la sociedad dicta la necesidad de un enfoque sistemático del problema.
Enfoques similares se desarrollan en los trabajos de investigación de V. Matonis, R. Telcharova y M. Knyazeva, que aparecieron recientemente. En principio, ninguna de las funciones de la música nombradas por A. Sokhor puede entenderse correctamente sin conexiones, relaciones e interdependencia sistémicas con los demás. Un paso hacia la creación de un sistema organizado y dinámico de funciones del arte musical puede ser identificar la principal, que, por así decirlo, incluye y media todas las demás funciones. Ésta es la función estética. Registra la presencia de la actitud estética de una persona hacia el arte de la música. Aquí la estética actúa como un tipo de influencia de la música en una persona y su relación con la música, que está determinada por la experiencia estética, la necesidad y el ideal estético. Todas las demás funciones del arte musical parecen estar involucradas y provenir de la estética. El impacto estético elimina en su contenido los restantes significados funcionales de la música (cognitivo, evaluativo, catártico, comunicativo, educativo, hedonista, etc.), que no funcionan fuera del impacto estético en el individuo. Por ejemplo, lo humanista se manifiesta en la música a través del impacto estético en una persona, y lo estético no llega a serlo fuera de la valoración moral y humanista de una obra musical. Una educación musical insuficiente bloquea el acceso a los ideales humanistas del arte musical. Por el contrario, ignorar el contenido humano universal del lenguaje musical conduce a una estética vacía. En tales casos, son posibles situaciones excepcionales cuando, con una cultura musical profesional, su función estética no encuentra continuación en la moral y humanista, y esta última no se convierte en un requisito previo para dominar las profundidades de la belleza en la música. Como resultado, tanto en el arte como en la vida, una persona pierde los ideales de verdad y belleza, en el arte las habilidades profesionales se desarrollan sin una orientación hacia los ideales morales.
Como la moral, todas las demás funciones de la música, su impacto en una persona se actualizan a través del estatus estético de la obra, por lo que la función estética es decisiva en el sistema de muchas otras, asegurando su conexión y unidad.
Así, objetivamente, por su carácter artístico y social-funcional, la música es una de las artes más “humanas”. Su belleza radica en la sinceridad de la expresión o entonación humana. Tomando prestado el mecanismo mismo de contagio emocional del habla humana, la música despierta en una persona el deseo de belleza, bondad y verdad. Puede que no influya directamente en la actividad humana, pero las emociones que provoca acumulan energía moral en una persona, incentivos para actividades futuras (se sabe que L.S. Vygotsky desarrolló la teoría del impacto retardado del arte sobre esta base). Grandes compositores - J.-S. Bach, L. Beethoven, W.-A. Mozart, F. Chopin, M.I. Glinka, MP. Mussorgsky, P.I. Chaikovski, S.S. Prokófiev, D.D. Shostakovich y muchos otros, en sus mejores obras expresaron la conciencia social de la época, plantearon y resolvieron las cuestiones más importantes de la existencia humana en excelente forma artística. Debido a la naturaleza estética y humanista multifacética del arte musical, incluso en la antigüedad, la humanidad vio una herramienta única para influir en una persona, introduciéndola en la experiencia de las relaciones sociales.
La música contribuye al desarrollo de los aspectos emocionales e intelectuales del individuo, al desarrollo de sus habilidades creativas, fantasía, imaginación, orienta los ideales de valores, el comportamiento humano, educándolo así específicamente.
El tema principal del arte es el hombre. El potencial humanista de la cultura artística es más propicio para la formación, transformación y socialización del individuo. Dado que la cultura artística de una sociedad actúa como un sistema único de valores artísticos de diferentes tipos de arte, que tienen un impacto funcional diverso en el individuo, el arte sirve en mayor medida como un factor en el desarrollo holístico del individuo. La expresión de la cultura artística de una persona a nivel de un tipo específico de arte, la música, es su cultura musical. A su vez, la cultura musical de un individuo como subsistema en relación con la cultura artística y estética es el indicador más importante del nivel de desarrollo estético y artístico de un individuo.
El mundo de la música puede convertirse o no en una propiedad personal. Sólo la actividad musical espiritual y práctica del individuo es el punto de partida y la condición previa para la existencia musical y estética del sujeto. Gracias a ello es posible la existencia de una cultura musical del individuo y de la sociedad. La actividad musical, actuando como prerrequisito, proceso y resultado del desarrollo musical, proporciona la clave para el análisis de los procesos de formación de la cultura musical humana. No sólo la actividad musical, sino también la conciencia musical toma la forma de la cultura musical de una persona. Estos son dos componentes definitorios de la cultura musical humana. En el sistema de cualidades de la cultura musical de una persona, se pueden determinar los siguientes indicadores:
- participación en la creación de una obra musical, actividad musical y creativa en toda la variedad de formas de comportamiento musical;
- un sistema de ideas de evaluación musical, formado a partir de la experiencia de la percepción y la creatividad musical, manifestado en valoraciones, puntos de vista y creencias musicales y estéticas;
- volumen, calidad, coherencia del conocimiento artístico, estético y musical de carácter práctico y teórico como base para la formación de una actitud estética ante los fenómenos del arte musical;
- la influencia de formas desarrolladas de conciencia y actividad musical sobre otros tipos de actividad material y espiritual, el grado de estimulación de las esferas extramusicales de la vida humana.
El resultado más importante de la familiarización con los valores musicales es la formación de los gustos e ideales musicales y estéticos de una persona, que representan un indicador del nivel de su desarrollo musical. De ahí que el desarrollo de ideas valorativas personales aparezca como un tema de especial preocupación en la formación de la cultura musical de una persona. Así, la participación en la creatividad musical a través de diversas formas de actividad musical, el desarrollo de los aspectos morales y estéticos de una persona bajo la influencia de su potencial musical y cultural, un alto nivel de conocimiento e ideas evaluativas en la música: todos estos son los principales signos que determinan las cualidades de la cultura musical de una persona, su nivel de habilidad musical.-desarrollo cultural.
