Konsultationer för lärare från musikchefen. Musikalisk ledare
Konsultation för lärare
Ämne: "Organisation av musikledarens och lärarens gemensamma aktiviteter om förskolebarns musikaliska utveckling"
(deadline: december 2015)
Musikchefens huvuduppgift är att introducera barnet till musikens värld, lära honom att förstå den, njuta av den, utveckla musikaliska och kreativa förmågor, bilda en moralisk och estetisk inställning till den, önskan att aktivt och kreativt känna empati med vad han uppfattar.
Framgång i detta arbete kan endast uppnås med ett nära samspel mellan dagislärare och familjer, eftersom kunskapen som barnet får på dagis måste förstärkas i hemmet.
Läraren och musikledaren interagerar direkt med barnet i processen att organisera sin kommunikation med musik. Kvaliteten på ett förskolebarns musikaliska utbildning beror till stor del på deras kompetensnivå. Verksamheten för musikchefen vid en förskoleläroanstalt kan särskiljastre huvudriktningar:
1) musikledaren ansvarar för korrekt inställning och genomförande av uppgifterna för barns musikundervisning;
2) listan över musikledarens ansvarsområden inkluderar att tillhandahålla metodologiskt stöd till lärarpersonalen för att organisera barns musikutbildning;
3) ett viktigt verksamhetsområde för musikledaren är hans interaktion med lärare och föräldrar till barn.
Samspel mellan musikchef och förskollärare inkluderar:
Lärares bekantskap med teoretiska frågor om musikundervisning för barn;
Förklaring av innehållet och arbetssätten i arbetet med musikundervisning för barn i varje åldersgrupp;
Diskussion om semester- och underhållningsscenarier;
Deltagande i produktionen av festliga dekorationer, landskap, kostymer och i inredningen av en förskola utbildningsinstitution för semestern;
Deltagande i organisationen av förskolans läroanstalts ämnesrumsliga musikaliska utvecklingsmiljö;
Ge metodologiskt stöd till lärare för att lösa problemen med barns musikutbildning;
Deltagande i pedagogiska råd vid förskolans läroanstalter.
Bland de många nya problemen relaterade till förskoleundervisning sticker problemet med förskollärare och specialister ut. Problemet med pedagogisk interaktion mellan en lärare och en musikledare i en förskoleutbildningsinstitution är en av de viktiga: framgången för processen för musikalisk utveckling av förskolebarn beror på dess lösning.
Det pedagogiska samspelet mellan läraren och musikledaren bör bygga på följande principer:
1. Principen för dialogisering.
Förknippad med omvandlingen av musikledarens "superposition" och lärarens "underställning" i frågor om musikalisk utveckling av förskolebarn till en personligt jämställd position av samverkande ämnen.
2. Individualiseringsprincipen.
Det är baserat på att varje deltagare använder sig av interaktion av betydande fördelar med att utföra vissa typer av aktiviteter. För att implementera denna princip måste varje deltagare i interaktionen ha starka musikaliska färdigheter.
En musikalisk ledare är en specialist som har en musikalisk utbildning, som förutsätter närvaron av professionella och kreativa färdigheter, varav de huvudsakliga är framförande och verbal tolkning av musik (O.P. Radynova). En musikdirektörs professionalism är otänkbar utan att ständigt bibehålla nivån på ens prestationsförmåga och förbättra den. Denna nivå avgör till stor del i vilken grad barn uppfattar musikaliska verk. Läraren ska kunna framföra enkla barnsånger, utföra musikaliska och rytmiska rörelser, spela barns musikinstrument (metallofon, tamburin, skallra, pipa), organisera musikaliska och didaktiska spel. Musikledaren och läraren, som kompletterar varandras ansträngningar, skapar den effekt som uppstår från arbetssamarbetet.
3. Problematiseringsprincipen.
En musiker med specialutbildning undervisar inte läraren – han aktualiserar och stimulerar sina musikaliska förmågor. För att implementera principen om interaktion "lärare - musikledare", är det nödvändigt för båda parter att förstå en så viktig funktion av lärarens pedagogiska verksamhet som att säkerställa integriteten i utbildningsprocessen. Grunden för detta bör vara lärarens beredskap för den musikaliska utvecklingen av förskolebarn, uppfattad av honom som en viktig del av hans professionella beredskap att uppfostra barn.
I samspelet mellan musikledaren och läraren är det nödvändigt att utbyta initiativ mellan dem som syftar till att jämföra deras idéer och forma en gemensam innebörd av verksamheten, vilket kommer till uttryck i gemensam planering av arbetet med barns musikaliska utveckling. Detta är en mycket viktig omständighet, som bestäms enligt följande. Läraren, som är i ständig kontakt med barnen, med beaktande av psykologens åsikt, känner till särdragen i familjeuppfostran av barn, kan ge psykologiska och pedagogiska egenskaper till varje barn och gruppen som helhet och lägga fram allmänna utvecklingsmål och mål. Musikledaren, som bärare av specialiserade kunskaper och förmågor, sätter upp specialiserade mål.
Formen för interaktion mellan läraren och musikledaren är inkluderingen av ett holistiskt program i "blocken i den pedagogiska processen" (enligt N.Ya. Mikhailenko), såväl som samordning - fördelningen av ansvar sinsemellan för genomförandet av detta program, definitionen av deras verksamhetsområden.
1. Block av särskilt organiserad utbildning
(NICKA)
Den ledande rollen i musikklasser tillhör muserna. till chefen, eftersom han kan förmedla till barn funktionerna i musikaliska verk.
Men en lärares bristande förståelse för musikens pedagogiska uppgifter kan omintetgöra alla ansträngningar från musikledaren. Där läraren älskar musik, älskar att sjunga och där barnen är mycket intresserade av musiklektioner. Dessutom, i avsnittet "Musikaliska och rytmiska rörelser" är musikledaren begränsad av instrumentet och läraren måste visa rörelserna.
Musikledarens ledande roll minskar inte på något sätt lärarens aktivitet.
Lärare gör ofta följande misstag i klassrummet:
Läraren sitter med en likgiltig blick.
Läraren avbryter föreställningen.
De ger verbala instruktioner tillsammans med musikaliska instruktioner. ledare (även om det inte kan finnas två centra för uppmärksamhet).
Stör lektionens gång (går in och lämnar salen).
Lärarens aktivitet beror på tre faktorer:
Beroende på barnens ålder: ju mindre barnen är, desto mer sjunger, dansar och lyssnar läraren tillsammans med barnen.
Från sektionen för musikalisk utbildning: den största aktiviteten manifesteras i processen med att lära sig rörelser, något mindre i sång, den lägsta - när man lyssnar.
Från programmaterialet: beroende på nytt eller gammalt material.
Läraren måste vara närvarande vid varje musiklektion och aktivt delta i barns lärandeprocess:
Sjunger tillsammans med barnen (utan att dränka barnens sång). När läraren sjunger sitter läraren på en stol framför barnen för att vid behov visa rörelser, tonhöjd, klappa rytmen etc.
När hon lär barn musikaliska och rytmiska rörelser (särskilt i yngre grupper) deltar hon i alla typer av rörelser och aktiverar därigenom barnen. I äldre grupper - efter behov (visa den eller den rörelsen, påminna formationen eller ge individuella instruktioner i dans, lek)
Leder självständiga musikaktiviteter, inklusive musik i spel, promenader och arbete, med hjälp av material som har lärts tillsammans med musikledaren.
Läraren måste kunna spela alla instrument som barn använder i musikklasser för att korrekt kunna visa barn hur man gör ljud på varje instrument.
Upprepar orden i sånger med barnen och memorerar dem inte som poesi, utan sjunger med barnen.
Upprepar dansrörelser efter att ha spelat in musik tidigare.
Ju mer aktivt läraren gör detta arbete, desto fler nya saker kan barn lära sig i musikklasser, annars förvandlas musikklasser till en oändlig upprepning av samma sak, d.v.s. "trampa vatten"
2. Block av gemensamma aktiviteter mellan lärare och barn
Arbete inom detta block utesluter särskilt organiserade klasser. En lärare eller musikledare involverar barn i musikaliska aktiviteter; barns aktivitet kan vara resultatet av lärares engagemang i en aktivitet som redan har uppstått. Blocket med gemensamma aktiviteter mellan lärare och barn omfattar olika typer av musikaktiviteter: lyssna på ett musikstycke med vidare samtal om det, sång, musik-rytmiska lekar och introduktion till att spela musikinstrument. Det är lämpligt att bygga gemensamma aktiviteter med ett "öppet slut", d.v.s. så att barnet, om så önskas, kan fortsätta det självständigt. Till exempel kan ett musikspel startat med vuxna fortsätta av barn, för vilket det är nödvändigt att skapa en ämnesmiljö (musikaliska läromedel, instrument).
3. Block med gratis fristående aktiviteter för barn
Barnet väljer själv aktiviteter som möter hans böjelser och intressen, vilket ger möjlighet till självutveckling. Inom ramen för detta block utvecklas barns skapande verksamhet i olika typer av aktiviteter, inklusive musik. Lärarens och musikchefens uppgift är att skapa en ämnesmiljö som ger barnet ett val av aktiviteter som motsvarar hans intressen och är utvecklande till sin karaktär. Det är musikinstrument, böcker och album, material för didaktiska övningar som gör att barn, om de så önskar, kan fortsätta vad de gör i klassen och i gratis gemensamma aktiviteter med lärare. Lärare bör ge barn möjlighet att agera både tillsammans med kamrater och individuellt. I det här blocket sysslar musikledaren främst med att organisera ämnesmiljön. Läraren är involverad i barnens aktiviteter när situationer uppstår som kräver hans ingripande.
Lärarens framgång beror till stor del på intensiteten i musikdirektörens arbete med honom. Ju mindre förberedd läraren är, desto mer måste musikledaren arbeta direkt med barnen.
Utbildningsproblem löses mest effektivt om lärare tar hänsyn till principen om integration av utbildningsområden, vilket innebär samspelet mellan musikledaren och utbildarna. Läraren behöver:
1. Känna till programkraven för musikutbildning.
2. Känn till din grupps musikrepertoar, var en aktiv assistent till musikledaren i musikklasser.
3. Hjälpa musikledaren att bemästra programmets musikrepertoar för barn, visa exempel på exakt utförande av rörelser.
4. Träna rörelser med barn.
5. Fördjupa barns musikaliska intryck genom att lyssna på musikaliska verk i grupp med hjälp av tekniska hjälpmedel.
6. Utveckla barns musikaliska färdigheter (öra för melodi, känsla för rytm) i processen att genomföra didaktiska spel.
7. Ha grundläggande färdigheter i att spela barns musikinstrument (metallofon, klangklockor, träskedar, etc.).
8. Genomför barns musikaliska utveckling genom att använda alla delar av arbetet: sång, lyssna på musik, musikaliska och rytmiska rörelser, spela barns musikinstrument, musikaliska och didaktiska spel.
9. Ta hänsyn till varje barns individuella förmågor och förmågor.
10. Utveckla barns självständighet och initiativförmåga i att använda bekanta sånger, runddanser, musikaliska lekar i klasser, promenader, morgonövningar och i självständiga konstnärliga aktiviteter.
11. Skapa problemsituationer som aktiverar barn för självständigt kreativt uttryck.
12. Involvera barn i kreativa spel, inklusive bekanta sånger, rörelser och danser.
13. Använd barns musikaliska färdigheter och förmågor i klasserna för andra typer av aktiviteter.
14. Inkludera musikaliskt ackompanjemang i organiseringen av klasser och rutinstunder.
15. Ta en aktiv del i förberedelser och arrangemang av semester, underhållning, musikalisk fritid och dockteater.
16. Förbered tematiska urval av poetiskt material för underhållning och musikaliska matinéer.
17. Tillhandahålla hjälp med tillverkning av attribut och dekoration av musiksalen för helgdagar och underhållning.
18. Var konstnärlig, uppfinningsrik, känslomässigt rörlig.
Lärarinteraktion
och musikalisk ledare vid matinén
Musikchefens arbete med värden och lärare för att förbereda semestern består av att upprätthålla ständig kontakt, diskutera detaljerna i programmet, klargöra semesterns konsekventa förlopp och de gemensamma åtgärderna för alla dess deltagare.
Alla roller är noggrant repeterade och alla nyanser av beteende på semestern förtydligas.
Dramatiseringar och dikter bör läras in i grupp med alla barn, så att vid behov ett sjukt barn kan ersättas, eller rollen i dramatiseringen kan ersättas.
Barn ska inte se att vuxna pratar om nyårspresenter från jultomten eller bjuder in någon att spela rollen som sagofigurer. Annars är överraskningen förstörd - huvuddelen av semestern.
På tröskeln till semestern organiserar presentatören, i närvaro av musikdirektören, hallens beredskap, attribut, delar av kostymer och föremål för spel, d.v.s. kontrollerar beredskapen för semestern.
Läraren måste kunna ordningen på siffrorna utantill.
Behåll disciplin och rätta barn på rätt sätt.
Lär dig dikterna och barnen som läser dem, fråga omedelbart början av dikten.
Ta roller i pjäser. Vägra inte den accepterade rollen.
Presentatörens roll är mycket ansvarsfull, den här läraren måste ha musikalitet, artisteri, kunna hålla sig på scenen, måste vara känslomässig, fyndig.
I yngre grupper bör firandet vara högt utan tvekan eller pauser från presentatörernas sida (eftersom barns uppmärksamhet är instabil).
Vet tydligt när barnen ska sitta. När man ska ta med utrustningen.
Relationen mellan läraren och musikledaren genom betingade signaler (titta på musikledaren).
Om barnet inte har en partner ersätter läraren henne.
Läraren måste träffa alla barn på semestern.
Försök att inte kritisera eller rycka barn, lugna ner dem genom att klappa dem på axeln.
Det finns 2 arbetsformer mellan en musikledare och en lärare.
Individuella konsultationer: hålls en gång varannan vecka
Innehåll i samråd:
Introduktion till målen för de kommande klasserna;
Bemästra repertoaren (kollade hur läraren framför barnsånger och danser);
Att tänka igenom former för individuellt arbete med barn;
Att tänka igenom införandet av musik i vardagen;
Samtal om lärarens verksamhet i musik. klasser.
Gruppkonsultationer:
Introduktion till nya metodfrågor (låtkreativitet, motorisk kreativitet, lära sig att spela instrument);
Rita upp scener från semestern;
Tänker på överraskningar;
Diskussion av olika frågor;
Lära sånger för att lyssna eller för att framföra dem på helgdagar (uppmärksamma renheten av intonation och diktion);
Öka rörelsekulturen (utöver barns lekar, danser, övningar gör lärare mer komplexa rörelser som bidrar till utvecklingen av samordning av deras rörelser och allmän musikalisk utveckling);
Utföra självständiga uppgifter (komponera en dans eller övning till viss musik);
Utbilda lärare att använda en bandspelare, förbättra kunskapen inom området musikalisk läskunnighet, så att han kan framföra en barnsång på musikinstrument från tonerna och sjunga den.
Praxis visar att lärarens beredskap för den musikaliska utvecklingen av barn i förskolans läroanstalter manifesteras i alla former av organiserande av musikaliska aktiviteter: lärare är aktiva i musikklasser, genomför runddanser med sång under promenader, musikaliska och didaktiska spel, använder musikaliska verk i klasser om talutveckling, bekantskap med miljön. Sådana aktiviteter bidrar till utvecklingen av barns musikalitet, för läraren och barnet närmare och låter musikledaren fokusera på att utföra färdigheter i processen att utveckla musikalisk uppfattning hos förskolebarn. Allt detta är möjligt om interaktionen mellan läraren och musikledaren är framgångsrik.
Musikalisk ledare E.Ya. Mokrodeeva
Ämne: "Lärarens roll i utvecklingen av oberoende musikalisk aktivitet hos barn."
Självständig musikalisk aktivitet hos barn bidrar till utvecklingen av sådana personlighetsegenskaper som initiativ, självständighet och kreativ aktivitet. Lärarens roll är att uppmuntra barn att tillämpa de färdigheter som lärts i musikklasser i dagislivets vardag.
För att utveckla barns självständiga musikaliska aktivitet bör gruppen utrustas med "musikaliska hörn" där barnens musikinstrument, didaktiska spel och roliga leksaker placeras. Vilket senare kan spelas ut av läraren (en björn spelar balalajka, en hare hoppar, en tjej dansar etc.) För att upprätthålla barns intresse för självständiga musikaliska aktiviteter måste läraren uppdatera manualerna i den ”musikaliska hörnan” en gång kl. månad, fyll på med nya attribut och didaktiska spel.
En viktig roll för läraren i utvecklingen av oberoende musikalisk aktivitet hos barn är att skapa problemsituationer, uppmuntra barn att vidta olika oberoende handlingar och utveckla förmågan att tillämpa det de har lärt sig under nya förhållanden. Samtidigt förstärker dekorationen barnens intryck. Under påverkan av det glada ljudet av musik, uttrycksfulla ord och kostymelement kommer barn att uppleva ljusa positiva känslor. Allt detta kommer att uppmuntra dem att uttrycka sina känslor i sång, dans och spel, och bidrar också till att skapa intresse för musik och musikaliska aktiviteter i allmänhet.
Genom att på så sätt skapa en miljö på dagis som är maximalt fylld av musikaliska intonationer, kommer läraren att kunna väcka intresse och kärlek till musik hos barn, samt bidra till bildandet och utvecklingen av självständig musikalisk aktivitet hos förskolebarn.
Låt oss överväga olika typer av musikaliska aktiviteter för barn i en grupp:
1. Spela barns musikinstrument. Barn älskar att spela metallofon, dragspel, knappdragspel, trilling, tamburin, trummor och andra instrument; de kan framföra ramsor, rytmiska mönster som lärt sig i klassen, eller så kan de uppfinna och framföra sina egna melodier och visa kreativitet. Barn attraheras ofta av processen att bemästra ett nytt instrument. I sådana fall lär de varandra: de som spelar detta instrument väl visar tekniker för dem som ännu inte vet hur man spelar. Sådan vänlig hjälp kan oftast observeras i senior- och förberedande grupper. Genom att spela instrument lär sig barn att särskilja sina ljud, börja peka ut sina favoriter, organisera en "orkester" själva och välja en dirigent. Lärarens roll är att uppmuntra barns kreativa aktivitet, lära dem att förhandla och se till att leken inte förvandlas till ett gräl.
2. En av de mest slående formerna av musikaliskt oberoende aktivitet för barn är musikalisk lek. Äldre förskolebarn skapar själva förutsättningarna för detta spel. Spelet kan vara omfattande: flera typer av aktiviteter kombineras (spela metallofon och dansa, gissa en låt genom dess melodi och runddans, etc.). I andra rollspel använder barn sånger som motsvarar deras lekhandlingar. Till exempel, när de spelar parad, sjunger pojkar "Drum" av M. Krasev, trummar och marschar, flickor, lägger undan dockor, sjunger låten "Bayu-Bayu" av M. Krasev. Låten främjar ett mer dynamiskt förlopp i spelet och organiserar barnens handlingar.
I denna typ av självständig aktivitet för barn fortsätter läraren att hos eleverna utveckla förmågan att förhandla (vem ska göra vad), kan föreslå spelets handling, stödja aktiviteten hos alla barn och hjälpa honom att organisera ett gruppspel.
3. Musikaliska och didaktiska spel som används i självständiga musikaliska aktiviteter utvecklar hos barn förmågan att uppfatta och urskilja de grundläggande egenskaperna hos musikaliskt ljud: "Musical Lotto", "Gissa vem som sjunger", "Två trummor", "Var tystare - högre på tamburinen”, ”Ge namnet på låten från bilden” osv.
För att berika barns musikaliska intryck och uppmuntra dem att använda de färdigheter som förvärvats i musikklasser, bör läraren fylla rutinstunder med ljudet av klassiska verk som barnen känner till. Till exempel, under morgongymnastik och under idrottsklasser (för barn), kan läraren använda följande verk: när han springer och går i högt tempo, galopperar "The Brave Rider" av R. Schumann, "Clowns" av D. Kabalevsky, "Dvärgarnas runddans" av F. Liszt, "Min häst" av A. Grechaninov och andra; under lätt löpning, spridd löpning, i en flock - "The Moth" av S. Maikapar, "Fjärilar" av F. Couperin, "A Cheerful Walk" av B. Tchaikovsky; under marschen - "Procession of the Grasshoppers" av S. Prokofiev, en marsch från cykeln "Barnmusik". Allmänna utvecklingsövningar kan åtföljas av musik av I. Iordansky ("Ladushki - ladushki"), P.I. Tchaikovsky ("Ny docka") och andra.
När du går kan du spela med dina barn spel som du lärt dig i musikklasser: dans - spelet "Björn", träning "Igelkott och trumma"; motorisk övning ”En glad hund gick”, lek ”Var sover fisken?”, sång ”Aj, knack – knack – knack”, fingertalsspel.
Du kan också fylla morgonmottagningstiden med musik och kvällstiden när du går hem. Dessutom bör musikaliska intonationer på morgonen skilja sig från musikaliska intonationer på kvällen. På morgonen - lugn, ljus musik. Det rekommenderas att använda verk från album med pianostycken för barn av P.I. Tjajkovskij, A.T. Grechaninova, E. Grieg, R. Schumann, S.M. Maykapara och andra. Detta kommer att skapa en atmosfär av välvilja och positivt humör på morgonen och under hela dagen.
På kvällen borde musikens karaktär vara mer dynamisk. Detta kommer att uppmuntra barn att visa fysisk aktivitet, uppfinna bilder och förkroppsliga dem i dans. Det rekommenderas att använda fragment av symfoniska verk skrivna för barn ("Children's Symphony" av I. Haydn, svit för orkester "Children's Games" av J. Bizet, etc.)
Således är lärarens roll i utvecklingen av oberoende musikalisk aktivitet hos barn att han, obemärkt av barnet, uppmuntrar honom att vara aktiv i olika typer av musik. aktiviteter, skapa gynnsamma pedagogiska förutsättningar: påverkan på barnets musikaliska intryck, utveckling av barns aktiviteter på deras initiativ. Läraren måste vara taktfull och bli så att säga medbrottsling i barns lekar. Vid planering av ledningstekniker beskriver läraren följande punkter: vilken ny utrustning som behöver införas för förskolebarns musikaliska aktiviteter (instrument, manualer, amatörleksaker), i vilken ordning det är tillrådligt att göra detta, vem som behöver observeras i för att ta reda på barnens intressen, böjelser, vilken typ av aktivitet barn prioriteras och om deras intressen är ensidiga. I en tidigare ålder är det bättre för läraren att använda den förklarande och illustrativa metoden. I sin tur lär sig barnet reproduktivt dessa metoder. Senare ska läraren använda en förklarande och stimulerande metod, och barnet leds till självständiga sökhandlingsmetoder. Demonstrationsmetoden och detaljerad förklaring används när man lär barn att utföra någon form av dans eller sångtonation. Jag skulle vilja önska att barn agerar inte bara enligt lärarens direkta instruktioner och demonstration, utan också utan hans hjälp. Om ett barn lär sig att självständigt utföra pedagogiska uppgifter, kommer han också att kunna agera utanför klassen: organisera musikspel, sjunga och dansa på egen begäran. En lärares dagliga arbete med barn, kunskap om deras intressen och förmågor, gör det möjligt för läraren att utföra uppgiften effektivt och ansvarsfullt. Oberoende musikalisk aktivitet i en grupp, som är en av indikatorerna för barns utvecklingsnivå, ger en uppfattning om volymen av färdigheter, förmågor och kunskaper som barn har fått som ett resultat av det arbete som utförs med dem. Det sker en överföring av handlingsmetoder som bemästras i musikklasser till helt nya förhållanden och situationer; barnet agerar på eget initiativ, i enlighet med sina intressen, önskningar och behov.
Förhandsvisning:
Samråd med musikledare för lärare
Ämne: "Lärarens roll i musikklasser."
Den ledande rollen i musikklasser tillhör muserna. till chefen, eftersom han kan förmedla till barn funktionerna i musikaliska verk.
Men en lärares bristande förståelse för musikens pedagogiska uppgifter kan omintetgöra alla ansträngningar från musikledaren. Där läraren älskar musik, älskar att sjunga och där barnen är mycket intresserade av musiklektioner. Dessutom, i avsnittet "Rörelse", musik. ledaren är begränsad av instrumentet och läraren måste visa rörelserna.
Musikledarens ledande roll minskar inte på något sätt lärarens aktivitet.
Lärare gör ofta följande misstag i klassrummet:
- Läraren sitter med en likgiltig blick
- Läraren avbryter föreställningen
- De ger verbala instruktioner tillsammans med musikaliska instruktioner. ledare (även om det inte kan finnas två centra för uppmärksamhet)
- Stör lektionens gång (går in och lämnar salen)
Lärarens aktivitet beror på tre faktorer
- Beroende på barnens ålder: ju mindre barnen är, desto mer sjunger, dansar och lyssnar läraren tillsammans med barnen.
- Från sektionen för musikalisk utbildning: den största aktiviteten manifesteras i processen med att lära sig rörelser, något mindre i sång, den lägsta - när man lyssnar
- Från programmaterial: beroende på nytt eller gammalt material
Läraren måste vara närvarande vid varje musiklektion och aktivt delta i barns lärandeprocess:
- Sjunger tillsammans med barnen (utan att dränka barnens sång). När läraren sjunger sitter läraren på en stol framför barnen för att vid behov visa rörelser, tonhöjd, klappa rytmen etc.
- När hon lär barn musikaliska och rytmiska rörelser (särskilt i yngre grupper) deltar hon i alla typer av rörelser och aktiverar därigenom barnen. I äldre grupper - efter behov (visa den eller den rörelsen, påminna formationen eller ge individuella instruktioner i dans, lek)
- Styr självständig musikalisk aktivitet, inklusive musik i spel, promenader och arbete, med hjälp av musik lärd från musik. handledarematerial.
- Läraren måste kunna spela alla instrument som barn använder i musikklasser för att korrekt kunna visa barn hur man gör ljud på varje instrument.
- Upprepar sångorden med barnen och memorerar dem inte som poesi, utan sjunger med barnen
- Upprepar dansrörelser efter att ha spelat in musiken tidigare på en ljudkassett.
Ju mer aktivt läraren gör detta arbete, desto fler nya saker kan barn lära sig i musikklasser, annars förvandlas musikklasser till en oändlig upprepning av samma sak, d.v.s. "trampa vatten"
En lärares framgång beror till stor del på intensiteten i arbetetmusikchefen är med honom. Ju mindre förberedd läraren är, desto mer måste musikledaren arbeta direkt med barnen.
Det finns 2 arbetsformer mellan en musikledare och en lärare
- Individuella konsultationer:hålls en gång varannan vecka
- Introduktion till målen för kommande klasser
- Bemästra repertoaren (kollade hur läraren framför barnsånger och danser)
- Att tänka igenom former för individuellt arbete med barn
- Tänker igenom musikens införande i vardagen
- Samtal om lärarens verksamhet i musik. klasser
- Gruppkonsultationer:
- Introduktion till nya metodfrågor (låtkreativitet, motorisk kreativitet, lära sig att spela instrument)
- Att komponera semesterscener
- Funderar på överraskningar
- Diskussion av olika frågor
- Öppna musikklasser (för unga lärare)
- Lära sånger för att lyssna eller för att framföra dem på helgdagar (uppmärksamma renheten av intonation och diktion)
- Öka rörelsekulturen (utöver barns lekar, danser, övningar gör lärare mer komplexa rörelser som bidrar till utvecklingen av koordinering av deras rörelser och allmän musikalisk utveckling)
- Utföra självständiga uppgifter (komponera en dans eller övning till viss musik)
- Utbilda lärare att använda ett musikcenter och bandspelare.
Förhandsvisning:
Samråd med musikledare för lärare
Ämne: "Bakgrundsmusik i dagislivet."
Problemet med att samordna aktiviteterna för alla deltagare i utbildningsprocessen i en utbildningsinstitution och hitta sätt att lösa det förlorar inte sin relevans.
Genomförandet av dialogrelationer i det pedagogiska rummet på en dagis ger barn en känsla av psykologisk komfort, hjälper till att skapa förutsättningar för deras omfattande utveckling och hjälper det effektiva arbetet i hela förskolans utbildningsinstitution som helhet.
Den musikaliska utbildningen av ett barn, som den viktigaste komponenten i hans andliga utveckling, kan bli en systembildande faktor för att organisera barns liv.
musik kan förena dagislärares utbildningsinsatser med målet att harmoniskt påverka barnets personlighet.
Ett av alternativen för att använda potentialen hos musikalisk konst är förknippat med bakgrundsmusik - musik som låter "i bakgrunden", utan avsikt att medveten uppfattning i klasser och i fri aktivitet. Mättnaden av barns liv med musik, expansionen och berikningen av upplevelsen av dess uppfattning sker på grund av den ofrivilliga ackumuleringen av musikaliska intryck. Lärare, som studerade funktionerna i utvecklingen av musikalisk uppfattning, kom till slutsatsen: inte bara lärande är av stor betydelse, utan också den spontana ackumuleringen av uppfattningserfarenhet och intonationsreserv.
Musikrepertoaren för att spela i bakgrunden väljs gemensamt ut av musikledaren, läraren, pedagogisk psykolog och lärare-metodolog.
Användningen av bakgrundsmusik är en av de tillgängliga och effektiva metoderna för psykologisk och pedagogisk påverkan på ett barn i en utbildningsinstitution och hjälper till att lösa många problem i utbildningsprocessen:
Skapa en gynnsam känslomässig bakgrund, eliminera nervös spänning och bevara barns hälsa;
Utveckling av fantasi i processen med kreativ aktivitet, ökad kreativ aktivitet;
Aktivering av mental aktivitet, förbättring av kvaliteten på kunskapsinhämtning;
Växla uppmärksamhet medan du studerar svårt utbildningsmaterial, förhindrar trötthet och utmattning;
Psykologisk och fysisk avslappning efter träningsbelastning, under psykologiska pauser, fysiska träningsminuter.
En lärare, inklusive musik i klasserna (talutveckling, matematik, manuellt arbete, design, teckning, etc.), kan fokusera på möjligheterna att aktivt och passivt uppfatta det av barn. Med aktiv uppfattning drar han medvetet barnets uppmärksamhet till ljudet av musik, dess figurativa och känslomässiga innehåll, uttrycksmedel (melodi, tempo, rytm, etc.). med passiv uppfattning fungerar musik som bakgrund till huvudaktiviteten, den låter inte högt, som i bakgrunden.
Så i matematikklasser, för att förbättra intellektuell aktivitet, öka koncentrationen och koncentrera uppmärksamheten, används endast ljudet av musik i bakgrunden. Genom aktiv uppfattning och utvärdering av musikaliska intryck i talutvecklingsklasser berikar de "känslornas ordförråd" och aktiverar barns utvärderande ordförråd i vardagen. Under lektioner om bekantskap med miljön kan läraren vända sig till musik som kännetecknar naturfenomen, vilket bidrar till manifestationen av känslomässiga reaktioner, berikning och fördjupning av idéer om föremålet som studeras. I bildkonstklasser, i processen att rita från en idé, kan du använda ljudet av bakgrundsmusik, och medan du ritar från en modell, erbjuda musikaliska verk för aktiv uppfattning. Att lyssna på musik påverkar uttrycksfullheten hos bilderna som skapas i ritningar och originaliteten hos färglösningar.
Ljudet av musik i bakgrunden under rutinmässiga stunder (att ta emot barn på morgonen, göra sig redo för lektionerna, göra sig redo för sängen, gå upp etc.) skapar ett känslomässigt behagligt klimat i gruppen.
Interaktionen mellan en psykolog och en läkare kommer att bidra till att skapa en optimal repertoar för en musikalisk bakgrund som motsvarar barnens fysiologiska egenskaper. Psykologen kommer, med hänsyn till egenskaperna hos elevernas mentala, kön, ålder och individuella utveckling, att indikera lämpligheten av att använda ett eller annat musikstycke under dagen.
Den ofrivilliga hörselupplevelsen hos barn bör fyllas på på basis av de bästa exemplen på musikkultur: klassisk musik bär uttrycksfulla bilder av eviga koncept - skönhet, godhet, kärlek, ljus, bilder av känslomässiga tillstånd som är karakteristiska för både ett barn och en vuxen.
Ungefärlig repertoar av bakgrundsmusik.
(för barn i äldre förskoleåldern)
Avkopplande (avkopplande): C. Debussy. "Moln", A.P. Borodin. "Nocturne" från stråkkvartett, K.V. Tekniskt fel. "Melodi".
Tonic (ökande vitalitet, humör): E. Grieg. "Morgon", I.S. Bach. "Skämt", I. Strauss. Vals "Spring Voices", P.I. Chaikovsky. "Årstider" ("Snödroppe")
Aktiverar (stimulerar): V.A. Mozart. "Little Night Serenade" (final), M.I. Glinka. "Kamarinskaya", V.A. Mozart. "Turkiskt rondo", P.I. Chaikovsky. "Blommornas vals" (från baletten "Nötknäpparen")
Lugnande (pacifierande): M.I. Glinka. "Lärka", A.K. Lyadov. "Den musikaliska snusdosan", C. Saint-Saens. "Svanen", F. Schubert. "Serenad".
Organisering (främjar koncentration av uppmärksamhet under organiserade aktiviteter) I.S. Bach. "Aria", A. Vivaldi. "Årstider" ("Vår", "Sommar"), S.S. Prokofiev. "Mars", F. Schubert. "Musikaliskt ögonblick"
Vissa musikaliska verk har multifunktionell användning, till exempel P.I.s musikaliska cykler. Tjajkovskij och A. Vivaldi ”Årstiderna”, balett av P.I. Tjajkovskij "Nötknäpparen", verk av V.A. Mozart, etc.
Musik, genom att utveckla förmågan att uppleva känslor och känslor som uppstår i perceptionsprocessen, har en inverkan på att förbättra den känslomässiga lyhördheten hos barn i det verkliga livet. Musikaliska och estetiska intryck bidrar till utvecklingen av hjärnans emotionella centra, aktiverar mental aktivitet, vilket är viktigt för elevens intellektuella utveckling. Genom att påverka den moraliska och estetiska utvecklingen hos ett barn kan musik vara en värdefull grund för utbildningssystemet i en förskoleutbildning.
Musikalisk utveckling har en oersättlig effekt på barnets övergripande utveckling: den känslomässiga sfären bildas, tänkandet förbättras, barnet blir känsligt för skönhet i konst och liv.
Det är mycket viktigt att barnet i tidig ålder har en vuxen bredvid sig som kan avslöja för honom skönheten i musik och ge honom möjlighet att känna den.
Det är erkänt över hela världen att de bästa förutsättningarna för utveckling av tidig barndomsutbildning, inklusive musikalisk utveckling, skapas i familjen. Det beror på de medfödda musikaliska böjelserna, familjens livsstil, dess traditioner, inställning till musik och musikalisk aktivitet och den allmänna kulturen...
Den primära, ledande typen av musikalisk aktivitet hos barn är uppfattningen av musik. Denna typ av aktivitet är tillgänglig för barnet från och med födseln. En mammas vaggvisa är den första introduktionen till musik. Bristen på musikaliska intryck gör det omöjligt att behärska det musikaliska språket.
En baby föds med en praktiskt taget outvecklad visuell analysator, men han kan redan urskilja många ljud och reagera ovanligt känsligt på dem.De första reaktionerna på ljud är ganska primitiva: ryggar, blinkar, gråter, fryser. Uppmärksamhet på ljud och förmågan att lokalisera ljudkällan utvecklas gradvis. Tonhöjdshörseln utvecklas mycket långsammare hos barn.
En känsla för rytm är inneboende i varje barn, men en känsla för musik kan läras ut. Du måste lyssna på vilken musik som helst med ditt barn, såväl som barnsånger och vaggvisor. Du bör uppmuntra din lust att dansa, marschera, klappa händerna och även uppmuntra din lust att spela musikinstrument. Det första instrumentet kan vara en av trummorna, och detta kan vara allt från en stekpanna till en tamburin.
S. Lupan uppmuntrar i sin bok "Tro på ditt barn" föräldrar : "Sjunga!" Om föräldrar skäms över sin sång, är det bättre att bara göra det i barnets närvaro. Barnsånger ska sjungas, för att barnet ska lära sig en rad enkla melodier och lära sig att återge dem bör man också sjunga "vuxna" sånger.
Barn kan inte känna musik sämre än vuxna. Det är sant att de inte förstår alla orden. Men vuxna som lyssnar på utländsk musik förstår inte heller orden.
Det är nödvändigt att spela in olika musik (av god kvalitet) på kassettband, namnge artisternas namn, dra barnets uppmärksamhet på skönheten i den mänskliga rösten, dess unika karaktär.
För musikalisk utveckling i familjen används följande pedagogiska metoder:
vVisuell-auditiv metod - grundläggande.
Om ett barn växer upp i en familj där det inte bara spelas underhållande, utan även klassisk musik och folkmusik, vänjer det sig naturligtvis vid dess ljud och samlar på sig hörselerfarenhet i olika former av musikalisk verksamhet.
vVisuell-visuell metod familjeutbildning har sina fördelar. Det går ut på att visa barnböcker med reproduktioner av målningar, introducera barn till folktraditioner och ritualer.
vVerbal metod är också viktigt. Korta samtal om musik och kommentarer från en vuxen hjälper barnet att stämma av sin uppfattning. Medan du lyssnar kan en vuxen uppmärksamma barnet på förändringar i humör och förändringar i ljud.
vPraktisk metod (lära sig att spela barns musikinstrument, sång, musikaliska och rytmiska rörelser) tillåter barnet att bemästra vissa färdigheter och förmågor för prestation och kreativitet.
1. Låt en anda av kärlek och respekt för musik regera i ditt hem.
2. Utforska musik med ditt barn, bli överraskad, bli upprörd, gläd dig med honom när musiken låter.
3. Låt musik vara en välkommen och hedrad gäst i ditt hem.
4. Låt barnet ha många klingande leksaker: trummor, pipor, metallofoner. De kan användas för att organisera familjeorkestrar och uppmuntra till att "spela musik".
5. Lär barnen att lyssna på musik noggrant, att ha TV:n påslagen precis som det är den musikaliska utbildningens fiende. Musik har bara effekt om du lyssnar på den.
6. Ta den musikaliska sidan av ditt barns utveckling på allvar, och du kommer att upptäcka att du kommer att uppnå mycket i allt som rör hans rätta uppfostran.
7. Tidig manifestation av musikaliska förmågor indikerar behovet av att börja barnets musikaliska utveckling så tidigt som möjligt.
8. Du ska inte bli upprörd om ditt barn inte är på humör för att sjunga något eller inte känner för att dansa. Eller om sådana önskemål uppstår, så verkar sång, enligt din åsikt, långt ifrån perfekt, och rörelserna är roliga och besvärliga.
Bli inte upprörd! Kvantitativa besparingar kommer definitivt att förvandlas till kvalitativa. Detta kommer att ta tid och tålamod.
9. Frånvaron av någon av förmågorna kan hindra andras utveckling. Det betyder att den vuxnes uppgift är att eliminera den oönskade bromsen.
10. Märk inte ditt barn. "omusikalisk", om du inte har gjort något för att utveckla denna musikalitet i honom .
Memo för föräldrar "Hur lyssnar du på musik med ditt barn?"
Hur länge?
Uppmärksamheten hos ett 3-4 år gammalt barn för att kontinuerligt spela musik är stabil i 1-2,5 minuter, och med små pauser i ljudet mellan styckena - i 5-7 minuter. Hörseln kan vara mer eller mindre lång beroende på barnets individuella egenskaper och dess fysiska tillstånd.
Hur?
Förbered en bandspelare och kassett i förväg. Hitta stycket du vill lyssna på på kassettbandet. Bestäm styrkan på ljudet. Musik ska inte vara högt! Varna familjemedlemmar att vara tysta och att inte gå in i rummet medan musik spelas. Bjud in ditt barn att lyssna på musik, du kan också bjuda in en av dina familjemedlemmar. Både barn och vuxna lyssnar på musik sittande.
När?
Välj en tid på dagen som är bekväm för barnet och den vuxne (när barnet inte är intresserad av att leka, inte blir upphetsad av att någon kommer in i huset och mår bra). Bäst efter frukost eller tupplur.
Den andra kassetten för barn består av sånger som de sjunger i musikklasser. Spelar du in i mitten av januari får du 6-7 låtar. Spela in samma låt två gånger: första gången framförs endast av musikledaren eller tillsammans med barnen, andra gången - inspelning "minus ett", d.v.s. endast musikaliskt ackompanjemang. Således får barnet möjlighet att lyssna på sången och sjunga som det vill: i en ensemble (första alternativet), eller självständigt (andra alternativet).
Det är nödvändigt för vuxna att tålmodigt och noggrant stödja barnets intressen i "hans band".
Ett barn kan lyssna på inspelningar av sånger och sjunga med när de står, sitter eller spelar. Föräldrar säger att barn, som sjunger med, ofta sätter sina leksaker (dockor, björnar) på rad eller tittar på böcker.
I början av april spelas sångerna som barnen sjungit sedan januari in på kassettband. Föräldrar måste behålla dessa register och inte radera dem. Barn ber ofta om att få lyssna på deras sånger även nästa år.
På barnmatinéer är föräldrar inte bara gäster, utan också deltagare. Barn bjuder in dem till en pardans, tillsammans med barnen sjunger de sånger, deltar i spel, och på våren kan de arrangera små föreställningar med deltagande av inte bara barnet utan också hans föräldrar. I det här fallet genomför musikdirektören redan individuella repetitioner separat med var och en av föräldrarna vid en tidpunkt som är lämplig för honom och i frånvaro av barn. Vuxna måste läras att läsa text uttrycksfullt och spela en scen.
DET HÄR ÄR INTRESSANT
Musikterapi och dess inverkan på en person
Musikterapi kan vara passiv eller aktiv. Aktiv – en person spelar ett instrument själv, sjunger, passiv – sessioner med att lyssna på musik.
Vid Moskvainstitutet för traditionell medicin har musikprogram utvecklats och används aktivt: "anti-stress", "bronkial astma", "magsår", "hypertoni".
En form av musikterapi är aktiva röstövningar.
Det har konstaterats att under sång uppstår en speciell vibration av inre organ. Å ena sidan hjälper det diagnostik, å andra sidan aktiverar det funktionerna för andning och blodcirkulation.
I Tambov genomfördes studier på musikens effekt på att förbättra hjärtats och hjärnans funktion, under vilken musik hjälper till att normalisera hjärtrytmen. Enheterna registrerade tydlig aktivering av hjärnan.
Den maximala effekten produceras av andlig musik och klockringning, vilket resulterar i normalisering av sömnen, minskning av ångestnivåer, förbättring av minne och prestationsförmåga.
Doktor i medicinska vetenskaper, professor Sergei Vaganovich Shushardzhan (samtidigt operasångare) forskade på tumörceller. De experimentella kulturerna placerades i utrymmet mellan hörlurarna och exponerades för 4 program: klassisk musik, popsymfonisk musik, rockmusik och medeltida andliga sånger. Andliga sånger hade den mest kraftfulla effekten.
Klockringningen påverkar funktionen hos människans cirkulations- och lymfsystem, det finns kända erfarenheter av behandling av psykiska sjukdomar. Ringningen av klockor "dödar" bakterier och bakterier (effekten av ultraljud).
Musik som uppfattas av hörselreceptorn påverkar det allmänna tillståndet för hela organismen, vilket orsakar reaktioner i samband med förändringar i blodcirkulationen och andningen.
MUSIK I KÖKET
Även köksredskap kanskeinte vara ett musikinstrument!
· Låt oss börja med vanliga skedar, det är bättre att ta träskedar och slå dem i rätt rytm mot handflatan.
· Från en panna, vars topp är tätt täckt med tät polyeten, får du en trumma.
· Du kan också slå till aluminiumkastruller och slevar med en sked. Om du inte slår så hårt du kan får du ett utmärkt musikinstrument.
· Om du gillade det, försök sedan att framföra folksången "The Moon is Shining", ackompanjerad av sådana "musikinstrument" som
♫ glasögon
♫ rivjärn
♫ maträtter
♫
Detta meddelande skrevs fredagen den 13 september 2013 klockan 19:21 i avsnittet , . Du kan ta emot meddelanden genom att prenumerera på flödet. Du kan
Konsultation för pedagoger.
(Utbildningsseminarium)
"Rollen som musikledare i en förskoleutbildningsinstitution och hans interaktion med läraren, som en nödvändig förutsättning för utvecklingen av barns kreativa förmågor
Huvudmålet med musikalisk utbildning på dagis är att förbereda för skolan ett estetiskt utbildat och utvecklat barn som kan känslomässigt uppfatta innehållet i ett musikaliskt verk, att genomsyras av dess humör, tankar och känslor.
Att odla konstnärlig smak hos barn och känslomässig lyhördhet för musik är dagislärarnas ledande uppgifter.
Musikchefen på en förskoleinstitution är lika mycket musiker - utövande som lärare - musiker. Kunskap om de psykologiska och pedagogiska egenskaperna och mönstren för pedagogiskt arbete på dagis hjälper till att effektivt välja innovativa metoder och tekniker för undervisning och utveckling, framgångsrikt forma barnets musikaliska förmågor och påverka barnteamet ur humanpedagogikens synvinkel. Huvudmålet för en lärare-musiker är inte vad och hur mycket kunskap och färdigheter han kommer att ge ett förskolebarn, utan om han kommer att kunna bli en medbrottsling och partner för eleverna, om han kommer att hjälpa dem att göra en resa in i musikens underbara värld.
En musikchefs verksamhet på en förskoleanstalt är varierande. Detta är först och främst att organisera och genomföra musikklasser i enlighet med det program som denna förskoleinstitution valt.
För att utföra pedagogiska funktioner ska musikledaren ha organisatoriska, kommunikativa och konstruktiva förmågor.
Förutom att leda musikklasser inkluderar musikledarens ansvar att planera och leda:
1. vanliga klasser - workshops med lärare i varje åldersgrupp;
2. samråd om organisation av musikaliska zoner i grupper, urval av musikaliska och didaktiska spel;
3. kvällar med fritid och underhållning
4. semestermatinéer;
5. musikaliska och didaktiska spel (inklusive framställning av didaktiska spel och manualer).
Musikchefen arbetar för att musiken ständigt ska vara närvarande i dagislivet (i klasser i bildkonst, talutveckling, idrott, på promenader, etc.)
Kontakten mellan en musiker-lärare med föräldrar är mycket viktig: konsultationer, hjälp med att organisera ett hemmusikbibliotek, rekommendationer om val och användning av barns musikinstrument, lyssna på musik, titta på TV-program etc.
Musikledaren arbetar med självutbildning, förbättrar prestationsförmågan, skaffar ny kunskap och analytisk uppfattning om sin egen verksamhet.
I dagisgrupper är läraren en aktiv deltagare i den pedagogiska processen. Han assisterar musikledaren i att leda klasser. Lärarens funktioner i varje åldersgrupp är olika, och graden av aktivitet i lektionen bestäms av barnens ålder och de specifika uppgifter som ställs inför i denna lektion. Läraren spelar den största rollen i de delar av lektionen som är förknippade med musikaliska och rytmiska aktiviteter: övningar, dans, spel. Han sjunger med barnen, leker med dem, leder runddanser, hjälper dem att utföra olika handlingar, läraren är involverad i att demonstrera rörelser i övningar och danser. Den mindre är i färd med att lyssna på musik. I sitt arbete agerar läraren endast på instruktioner från musikledaren (när han bekantar sig med instrumental musik, för han en konversation baserat på en bild, när han sjunger kan han framföra en separat vers eller fras, när han lär sig ett spel väljer han en ledare, hjälper till att fördela roller, dvs han deltar inte, utan bara organiserar ).
Endast nära pedagogisk kontakt mellan musikledaren och läraren ger ett positivt resultat vid ledning av musiklektioner!
De färdigheter och förmågor som barnen skaffar sig i klassrummet måste befästas, och det innebär att musiken även ska ljuda under individuellt arbete, morgonövningar, utomhuslekar, genomföra didaktiska lekar och underhållning, på kvällens fritid, och bli en illustration för en berättelse, saga och etc. Läraren måste säkerställa kontinuitet mellan musikklasser och andra delar av processen för musikalisk utbildning och utveckling av barn. En lärares uppgifter för den musikaliska utvecklingen av barn utanför musikklasser inkluderar: korrigering, konsolidering av färdigheter som förvärvats i musikklasser; utvidga musikaliska idéer, horisonter, identifiera och forma varje barns böjelser och musikaliska intressen; utveckling av musikaliska förmågor och självständiga handlingsmetoder. I individuellt arbete måste läraren ta hänsyn till barnets egenskaper, hans förmåga till musik och rörelse, graden av hans behärskning av musikmaterial; aktivera passiva barn, främja bildandet av musikaliska intressen. För att lösa dessa problem måste pedagogen ha en viss mängd musikaliska och estetiska kunskaper. Och när du väljer musikackompanjemang för olika aktiviteter bör du tänka på innehållet i verken och deras känslomässiga inverkan.
Lärarens roll i att vägleda barns självständiga aktiviteter är stor. I sitt arbete ska läraren använda indirekta ledarskapsmetoder och ett flexibelt kreativt förhållningssätt. Det formar aktivt barnets konstnärliga intressen och påverkar hans musikaliska intryck som tas emot i klasser, semester och i familjen.
Av stor betydelse är skapandet av förhållanden som främjar uppkomsten av barns musikaliska aktivitet på eget initiativ - en musikalisk zon, attribut, hjälpmedel etc.
Således bestäms huvudfrågorna för den musikaliska och estetiska utvecklingen av förskolebarn av musikledaren, och läraren tilldelas rollen som sin assistent, men dessa relationer kännetecknas av en enhet av syfte, vilket är barnets musikaliska utveckling som huvudobjektet för pedagogiska relationer.
Musik är ett starkt och levande sätt att utveckla kreativ individualitet och andlig utveckling av personligheten. Det har onekligen ett stort inflytande på bildandet av individualitet och utvecklingen av en persons andliga formation, från tidig barndom. I ett av sina verk berättar den store ryske kritikern V.G. Belinsky skrev: "Musiks inflytande på barn är fördelaktigt, och ju tidigare de börjar uppleva dess inflytande på sig själva, desto bättre för dem. De kommer inte att översätta hennes outtalbara verb till sina barns språk, men de kommer att prägla dem i sina hjärtan, de kommer inte att omtolka dem på sitt eget sätt, de kommer inte att gnälla om henne; men det kommer att fylla deras unga själar med harmoni.” Och vi kan inte annat än hålla med om detta uttalande, särskilt eftersom grunden för personlighetsutveckling läggs i barndomen.
Ett barn är naturligt i sin önskan att leva i en värld av färger, ljud och olika former. Denna värld är en outtömlig källa till utveckling av känslor och fantasi. Vad kommer att bli hans ledstjärna i den här världen, vad kommer att locka och leda barnet, från vilken vår kommer han att hämta styrka? Naturligtvis är detta skönheten i själva världen.
I framtiden vill vi alla se våra barn som kreativa, andligt rika, kulturellt utbildade människor med utvecklad estetisk smak. Med sin inställning till konst - passion eller likgiltighet - har omgivande vuxna ett stort inflytande på bildandet av grunderna för barns värdeorientering. Den estetiska utvecklingen av ett barn kommer att vara mycket mer harmonisk om det finns någon i närheten som är djupt passionerad för konst, musik, teater, som ser och känner skönheten i den omgivande världen, naturen och mänskliga relationer.
Musik kan också bli ett barns kommunikationsspråk i tidig barndom. Musik har ett speciellt språk som gör att vi kan förmedla de mest subtila nyanserna av mänskliga tillstånd, upplevelser och relationer. "Musik uttrycker allt som det inte finns ord för, utan vad som efterfrågas från själen och vad som vill uttryckas", skrev P. I. Tjajkovskij.
Som ett resultat av kommunikation med musik överförs dess stämningar och känslor till barnet: glädje, sorg, ångest och ånger, beslutsamhet och ömhet. Detta är kraften i musikens psykologiska inverkan; tack vare musiken utvecklas mottaglighet och känslighet. Det är musik, enligt vår mening, som kan bli en känslomässig och utvärderande kärna som gör att ett barn kan bilda sig en estetisk uppfattning om andra typer av konst och omvärlden, att utveckla fantasifullt tänkande och fantasi samt estetisk medvetenhet. Därför är bildandet av grunderna för musikkultur, och genom det barnets konstnärliga och estetiska kultur, dagens mest angelägna uppgift, vilket gör det möjligt för en att inse musikkonstens möjligheter i processen för personlig utveckling. Det råder ingen tvekan om att kommunikation med musik, i första hand klassisk, såväl som ”sjungande” musik i rörelse och röst, har stor betydelse för tänkandets utveckling och bildning från födelsedagen och genom hela livet.
Det största problemet som återspeglar det nuvarande tillståndet för uppväxt, träning och utbildning är problemet med utvecklingen av tänkande. Studiet av individen (barn, tonåring, ung man), som ett ämne för pedagogisk och pedagogisk verksamhet, utförs på grundval av teoretiska, metodologiska, psykologiska och pedagogiska tillvägagångssätt.
En av huvudprinciperna som säkerställer att barn framgångsrikt behärskar grunderna i modern kunskap är den teoretiska karaktären av deras mentala aktivitet. Grunderna för tänkande av denna typ bör bildas hos barn i tidig ålder, i grundskoleåldern, och deras vidareutveckling sker i mellan- och högre utbildningsstadier.
I uppfostran måste vi utgå från barnets behov. Ett barn i allmänhet, och barn i synnerhet, behöver röra sig mycket för en korrekt utveckling av kroppen: gå, springa, hoppa, klättra, kasta. Detta är ett fysiologiskt inslag i barndomen, detta uttrycker dess aktivitet, det finns en ökad metabolism, muskelsystemet utvecklas och nervcentras arbete förbättras. Ju mindre barnet är, desto mer behöver det rörelse, och därför måste systematisk och musikalisk rörelse införas som en ständig disciplin och ju förr desto bättre. Dessa rörelser bör lära barnet att fritt kontrollera enskilda organ i sin kropp, utveckla koordination av rörelser och självbehärskning (mod, beslutsamhet, fyndighet, intelligens). Musik, som smälter samman med rörelse, förbinder motoriska reaktioner med lagarna för musikalisk rytm, motoriska centra utbildas genom musik, aktiviteten hos neuromuskulära centra och hörsel förenas, koordination av rörelser utvecklas och styrka sparas.
Tillsammans med detta bör man inte glömma det faktum att processen med direkt musikalisk uppfattning är tvetydig och den påverkar också utvecklingen och bildningen av en kreativ personlighet.
Perception påverkas alltid av intressen, relationer och hela den preliminära konstnärliga och livserfarenhet som en person har. Och, som redan nämnts, spelar hörseln en speciell roll i denna process, förmågan att lyssna på omgivningen, känna, förstå, uppskatta skönheten i färger och former, harmonin i ljud och njuta av den. När allt kommer omkring är äkta estetisk uppfattning alltid förknippad med emotionell spänning, upplevelsen av estetisk njutning och upplevelsen av ett objekts skönhet.
Perceptionsbildningsprocessen uppstår från lärarens-psykologens och utbildarens orientering mot estetisk perception, som förutser intryck och upplevelser. Därefter kan du fritt vända dig till dess kontemplation och fördjupa dig i det sensuella elementet. Det är "nedsänkning i elementen av ljud, färger, former, i elementen i orden i en dikt eller rörelsens plasticitet som är karakteristisk för den konstnärliga perceptionsprocessen"... Denna önskan att uppfatta sensorisk rikedom, att känna det är ett väsentligt inslag i konstnärlig uppfattning.
Nästa steg är ett försök att tränga in i vad dessa ljud, färger, former förmedlar, avslöjar, uttrycker. Detta nya stadium av kognition kommer att vara uppfattningen av en konstnärlig bild.
Under en ytterligare fördjupning av perceptionen börjar inte bara den konstnärliga bilden som fångas i verket att uppfattas och förstås, utan också själva konstverket som ett visst betydelsefullt fenomen. Verket blir förkroppsligandet och symbolen för viktiga aspekter av livet, kreativitet och mänsklig kunskap. Detta är den högsta nivån av kognition, eftersom hela den mänskliga personligheten med dess världsbild, ideal, moraliska känslor och livsinställning ingår i processen för uppfattningsrörelse.
Välkända forskare och lärare uppmärksammade kraven på repertoaren för barn att lyssna på och identifierade följande allmänna egenskaper och krav för repertoaren för barn:
urval från tre källor: folkmusik, klassiker och modern musik;
urval av verk som främjar vänlighet och genomsyras av humanism;
penetration in i en värld av barns känslor, reflektion av deras intressen, bildspråk, tillgänglighet;
ljusstyrka, minnesbarhet, beroende av intonationen och modal struktur för musik från olika nationer;
reflektion av olika musikformer (inklusive större), olika genrer;
en återspegling av moderna uppdrag inom området för förbättring och modernisering av det musikaliska språket, samtidigt som den bibehåller en konstnärlig nivå som uppfyller kraven på stor konst.
Men i praktiken på dagis förskjuter "barnrepertoaren" faktiskt klassisk musik. Det används snarare som ett undantag, ibland och främst i äldre ålder. Tidig ålder används inte för att samla värdefulla musikaliska intryck som är nödvändiga för bildandet av en "tesaurus", upplevelsen av att uppfatta mycket konstnärliga exempel på musikaliska klassiker. Således, genom att beröva barn i tidig ålder möjligheten att lyssna på klassisk musik, förlorar vi en gynnsam, "känslig" åldersperiod för utvecklingen av förmågan att uppfatta musik, genom att missa vilket vi skapar ytterligare svårigheter i fråga om musikalisk utveckling, och kanske förlorar vi den oåterkalleligt.
Utifrån analysen av psykologisk och pedagogisk litteratur och resultaten av våra egna observationer kan vi dra preliminära slutsatser om att det är långt ifrån likgiltigt vilken sorts musik ett barn hör och vilken repertoar det är uppfostrat med. Därför är det viktigt att främja barns ackumulering av erfarenhet av att uppfatta musikaliska klassiker, bildandet av unika uppfattningsstandarder, d.v.s. Det är nödvändigt att inte bara hitta en form för att presentera musik för barn, utan att förbättra innehållet i själva utbildningen.
De pedagogiska förutsättningarna för en framgångsrik utveckling av musikalisk uppfattning i tidig barndom är:
konstnärlig perfektion, ljusstyrka och känslomässig tillgänglighet av musikaliska verk;
upprepning av intryck (upprepning av ljud);
skapa en känslomässig stämning som passar musikens natur;
skapa en positiv känslomässig bakgrund för kommunikation mellan ett barn och en vuxen, vilket uppmuntrar barnets framgång.
uppmuntra barn att engagera sig i motorisk aktivitet och vokaliseringar.
Efter att ha undersökt huvudpositionerna för musikens inflytande på utvecklingen av individualitet, kan vi sammanfatta allt ovan.
Musik, som är en av de mest inflytelserika formerna av konst, har en enorm inverkan på individens subjektiva värld.
Estetiska känslor, behov och ideal stimulerar socialt nyttiga aktiviteter, och detta är, enligt vår uppfattning, den huvudsakliga pedagogiska funktionen för i synnerhet konst och musik.
Kommunikation med konst är av stor betydelse för individens psykologiska bildning, i utvecklingen av hans universella mänskliga böjelser och personliga egenskaper. Barnet tar emot en enorm mängd intryck från konstnärliga och musikaliska verk, och bearbetar dem och implementerar dem i sin kreativa aktivitet, därigenom spelar de en ovärderlig roll i utvecklingen av kreativ individualitet.
Den moderna världen kännetecknas av extremt motsägelsefulla processer som sker inom alla samhällssfärer och inte alltid realiseras i sin helhet av ontologiskt positiv kreativitet. Situationen kompliceras av den växande andliga krisen, manifesterad i utilitarismens triumf, höjningen av materiella behov till de högsta mänskliga behoven, materiella resurser som ett mått på individers betydelse och materiella intressen som ett kriterium för motivering av de sociala aktörernas handlingar, vilket i allmänhet har rubbat balansen: den materiella sidan av livets samhället har utvecklats mycket starkare än den andliga. Som ett resultat, med A Schweitzers ord, har civilisationen blivit som ett skepp utan rorsman, som tappar sin manövrerbarhet och okontrollerat rusar mot katastrof.
Sökandet efter sätt och medel för att komma ur en sådan motsägelsefull situation ses i andligheten, i dess "ständiga, momentana bekräftelse" (M. Coulet). Enligt I. A. Ilyin "behöver vår tid inget annat än andliga bevis. För "vi har gått vilse" och vi kan inte se "spåret". Men det är nödvändigt och möjligt att hitta ett spår som leder till andlig förnyelse och återfödelse.” Och allt detta är direkt relaterat till systemet för utbildning och uppfostran av människorna, bildandet av hög andlighet i dem, vilket är en integrerad uppsättning idéer, ideal, bilder och känslor, fokuserade på värderingarna av det sublima och vackra , sann och rättfärdigt kreativ. Därför är det mycket viktigt att hjälpa varje person i bildandet av sin personliga andlighet, vilket ger mänskligt liv en högre dimension, högre mening och mening.
Utbildning av andlighet är särskilt nödvändig i förskoleåren, "eftersom laddningen av andlighet under dessa år är mest stabil och kvarstår under lång tid, vilket bestämmer den andliga och moraliska bilden av en person under nästan hela hans liv."
Bland faktorerna för att vårda andligheten hos förskolebarn i det allmänna utbildningssystemet intar musik en speciell plats. Eftersom det är ett idealiskt fenomen i sin väsentliga natur, och i en ontologisk verklighet en återspegling av känslornas autenticitet och varans intimitet, har det potentialen för enormt pedagogiskt inflytande på mänsklig andlighet. Dess utbildningsuppdrag är en uppmaning till godhet och rättvisa, till insikten om en mer perfekt värld. Genom musiken formas en stark, kreativ, livskraftig personlighet; den "låter dig mer fullständigt känna värdet av livet, känna dess puls, flöda: det förädlar individens inre värld och gör honom till en sann "andens aristokrat .” Enligt Konfucius ger musik integritet och harmoni till en person; det är ett sätt att utveckla karaktären av en "ädel make", vars särdrag var hög andlighet.
Å andra sidan är musik, som något som tillför skönhet till den jordiska världen, en slags kontakt mellan det ideala och det verkliga, och detta gör att vi bättre kan förstå sätten att etablera andlighet och väcka oro för moraliska problem. Enligt G.V.F. Hegel uppträder sensuella bilder och ljud i konsten inte bara för deras egen skull och deras omedelbara identifiering, utan för att tillfredsställa de högsta andliga intressena i denna form, eftersom de har förmågan att väcka och beröra alla medvetandets djup. och framkalla deras svar i själen. I processen att kommunicera med konst såg I. Kant en viktig punkt - en person som överträffar sina egna förmågor. Han uppmärksammade stimulansen av ett konstverk av individens andliga tillväxt, som uppstår som ett resultat av en fullständig uppfattning om ett musikaliskt verk och penetration i dess väsen. Det bör noteras att den musikaliska förmågan i allmänhet är direkt och direkt relaterad till förnuftet - "moralens lagstiftare" (I. Kant), hjälper till att höja en person och avslöja hans andliga väsen. Meningen som genereras av musik är inte att oändligt tillfredsställa sina empiriska önskningar, utan att avslöja sina möjligheter och dessutom på ett så mångsidigt sätt som möjligt.
Musikens betydelse för att vårda den andliga principen hos en individ erkändes av skaparna av musikkonsten själva. Således hävdade den italienske kompositören och musikteoretikern från renässansen G. Zarlino att musikkonsten är kapabel att uttrycka universell harmoni, både världslig och mänsklig. I sin avhandling "Harmoniska anläggningar" i kapitlet "Varför ska man studera musik?" han skrev: "Musik bör inte studeras som en nödvändig vetenskap, utan som en fri och värdig sådan, eftersom vi genom den kan uppnå ett bra och värdigt beteende som leder längs den goda moralens väg ..." G. Handel ville att hans musik inte bara skulle ge njutning, utan för att människor under dess inflytande skulle bli bättre människor. Detta överensstämmer med L. Beethovens dröm om att "borta eld från modiga själar."
Experter inom området musikpedagogik - L. A. Barenboim, A. B. Goldenweiser och G. G. Neuhaus, teoretiker och metodologer inom området musikpedagogik - B. V. Asafiev, skrev om musikens andliga och moraliska inverkan, dess förmåga att adla en person. O. A. Apraksina och B.L. Yavorsky. Sålunda kallade B.V. Asafiev musik den "evigt levande" förkroppsligandet av allt som låter i naturen och i den mänskliga själen, och kallade inte bara att underhålla med musik, utan att övertyga och glädjas åt den.
En syn på musik ur moralisk synvinkel var också kännetecknande för många lärare under tidigare århundraden. Ya. A. Komensky ansåg musikalisk utbildning som ett effektivt sätt att forma andligheten hos en växande personlighet, påpekade behovet av att bekanta sig med nationell musik redan på "Mother's School" och föreslog att musik skulle vara obligatoriskt i programmet för alla fyra utbildningsnivåer. S. L. Montesquieu noterade musikens förmåga att väcka alla känslor och mjuka upp moralen, tack vare dess förmåga att framkalla känslor av ödmjukhet, medkänsla, ömhet etc. D. Hume betonade konstens och särskilt musikens viktiga roll i utbildningen av moraliska åsikter och känslor.
Musik i vårt liv är en människas levande kunskap och idé om sig själv, det är vägen till sig själv och upptäckten av sig själv i sig själv. Det innebär en kontinuerlig process av självskapande och självskapande. Att vända sig till det ger exceptionella möjligheter att "vidga" medvetandet, "berika betydelsen av kommunikation"; det skapar förutsättningar för att förstå processen för reflektion över sina egna mentala och andliga potentialer. Vi kan säga att en person som känner musik djupt och subtilt känner av världen, vet hur man ser det vackra, majestätiska i livet omkring sig och hör världen i all dess mångfald. V. A. Sukhomlinsky noterade att "musik öppnar människors ögon för naturens skönhet, moraliska relationer och arbete. Tack vare musik väcker en person en uppfattning om det sublima, majestätiska, vackra, inte bara i världen runt honom, utan också i sig själv." Hans ord att "utan musik är det svårt att övertyga en person som kommer in i världen att en person är vacker," konkretiserar tesen om musikalisk utbildning som utbildning av en person, och uttrycker kärnan i konceptet av D. B. Kabalevsky, som hävdade att behov av att utbilda förskolebarns musikkultur som en del av deras andliga kultur.
Musik i det allmänna utbildningssystemet är grunden för processen att utbilda andlighet. De kunskaper, färdigheter och förmågor som förvärvas i musikklasser blir en personlig andlig egenskap, som i sin värdeverklighet förvandlas till grunden för andlig tillväxt och självbekräftelse.
Musik som akademiskt ämne i det allmänna utbildningssystemet kan och bör användas i större utsträckning för att odla förskolebarns andlighet.
Estetisk utbildning är ett av de problem som den fortsatta utvecklingen av mänsklig kultur till stor del beror på. Under andra hälften av 1900-talet. Problemet med estetisk utbildning betraktas av många forskare på ett nytt sätt: dess humanistiska inriktning förvärras kraftigt i samband med den globala uppgiften att bevara och utveckla kultur. I det moderna samhället, frågan om att ge en ny status till uppgiften att bilda personlighet och framför allt dess estetiska utbildning, vilket bidrar till uppkomsten, förstärkningen och utvecklingen av nya estetiska, etiska, konstnärliga värderingar och motivationer hos varje person , har uppstått med särskild brådska.
Det är välkänt att kärnan och huvudmedlet för estetisk utbildning är konst, som kännetecknas av sin universella inverkan på individen i alla riktningar. Varje typ av konst påverkar specifikt bildandet av en persons inre värld. Musik intar en speciell plats i konstsystemet på grund av dess direkta, komplexa inverkan på människor. Århundraden av erfarenhet och speciell forskning har visat att musik påverkar både psyket och fysiologin hos en person, att den kan ha en lugnande och stimulerande effekt och framkalla olika känslor. I detta avseende avhandlingen om betydelsen av musikalisk utbildning av individen, dess betydelse för utvecklingen av allmänna mentala egenskaper (tänkande, fantasi, uppmärksamhet, minne, vilja), för utbildning av emotionell lyhördhet, andlig känslighet, moralisk och estetisk individens ideal etableras alltmer i systemet för estetisk utbildning. Musikens deltagande i utbildningsprocesser har blivit särskilt relevant nuförtiden. Det är ingen hemlighet att differentieringen av vetenskaper och snäv professionalisering skapar faran att göra människor till "ensidiga", begränsade specialister.
I den moderna sociokulturella situationen kommer musiken alltmer i förgrunden i strukturen för unga människors konstnärliga preferenser. Den ligger före andra typer av konst när det gäller konsumtion på grund av dess direkta sensoriska egenskaper av påverkan. Men bakom en sådan bild döljer sig komplexa motsättningar av existens, uppfattning och värdeorientering inom musikkonsten. Detta är till exempel den ensidiga fördomen hos de flesta mot pop- och underhållningsmusik, mot den lilla del av musikkonstens väldiga värld som inte kräver stora intellektuella och moraliska ansträngningar för att förstå. Moderna medier har skapat möjligheten att ”lösa upp” musiken inom produktion, vardag och fritid. Det blir allt svårare att uppfatta det som en konstnärlig helhet. Tvärtom, förmågan att lyssna på musik som bakgrund utan att helt uppfatta det blir vardag. Denna nivå av uppfattningskultur bildar en ytlig konsumenttyp av musikkultur som helhet, när det inte sker någon fullständig subjektivisering av de emotionella, intellektuella, moraliska och humanistiska aspekterna av ett musikaliskt verk. Platsen för den frånvarande kulturen av relationer till musikaliska värden intas av ytliga konsumentkrav dikterade av mode och prestige. Idag möter man alltmer en speciell typ av personlig musikkultur, kännetecknad av att bakom den yttre passionen för musik finns en separation av den från de innehållshumanistiska skikten. Denna typ av musikkultur, där ytlig kontakt med musikaliska verk i rent underhållningssyfte dominerar, är skadlig för individen. Det strider mot all musikkonsts potentiella humanistiska möjligheter.
Uppfattningen om musik beror förstås på individen som kommer i kontakt med denna konst. Bildandet av individens musikaliska och estetiska kultur - en unik indikator på utvecklingen av personen själv - är ett av de viktigaste målen för estetisk utbildning. Genom att återskapa mänsklighetens känslomässiga upplevelse avslöjar musik varje persons förmåga att uppleva de mest komplexa känslorna, ger människor moralisk styrka, främjar mod, tro på livet, skönhet, berikar känslor och intellekt. Enligt V.A. Sukhomlinsky: "Musikalisk utbildning är inte utbildning av en musiker, utan först och främst utbildning av en person.
Specifikt för uppfattning och påverkan av musikalisk konst på personlighet
Reflektioner över konstens väsen och dess betydelse för bildandet av personlighet har följt mänsklighetens historia sedan antiken. Först och främst handlade det om utbildning av en specifik person, vilket framgår av antika kinesiska avhandlingar, och information om musikalisk utbildning och uppfostran i det antika Egypten och Indien, och det antika Greklands estetiska utbildningssystem. Förbättring av själ och kropp, harmoni mellan yttre och inre (hellenska ideal), inflytande på människans etiska natur (Aristoteles), utveckling av en känsla av medborgarskap och social gemenskap (John de Groheo), utbildning av anden, intellekt, känslor (vilket framgår av verk av senare filosofer, kyrkoledare, vetenskapsmän inom olika humaniora, lärare, etc.) är exempel på hur musikens pedagogiska möjligheter har uppfattats och upptäckts i alla tider.
En annan sak är också vägledande: genom historien, i olika epoker, har ett objektivt samband mellan världens natur och människans natur, karakteriserad i samma estetiska kategorier, angetts. Pythagoréerna ansåg till exempel att det var nödvändigt att göra sin kropp och själ "musikalisk", men ett välordnat tillstånd är också "musikaliskt", eftersom det lyder "korrekt läge", och det mest "musikaliska" av allt är kosmos. En av författarna till senmedeltiden bygger ett system av estetiska lagar, och dess övre nivå - "gudomlig musik" - innebär en universell världsordning. Och en helt modern forskare drar slutsatsen att "livets lagar är musikaliska, och musikalitet är det viktigaste tecknet på skönhet."
I själva verket handlade det i alla tider inte om något annat än utvecklingen, med hjälp av konsten, av estetiska principer i människolivet, utvecklingen av mänsklig kultur och samhälle – en uppgift som behåller och stärker sin relevans i den moderna världen.
Musikens första och huvudsakliga drag, som ger upphov till alla andra, ligger i denna konstforms innationella karaktär. Musiken är nära och begriplig på grund av dess likhet med intonationerna i mänskligt tal. Hon är i samma ålder som mänskligt tal.
Intonation i musik som en manifestation av mänskligt tal, medvetande och tanke avslöjas djupt i verk av den berömda ryska musikforskaren, akademikern B.V. Asafieva. Sedan uppkomsten av hans intonationsteori har inte en enda estetisk fråga inom musikvetenskapen lösts dialektiskt i konsthistorien utan att använda detta koncept. Intonation började betraktas som en grund, som en ljuduttryckt "musikalisk tanke" som ligger till grund för den musikaliska bilden av ett verk, innehåll och form, kreativ metod och stil, realism, nationalitet och andra aspekter av ett musikaliskt verk.
Den andra aspekten av specificiteten hos perception och förståelse av en musikalisk bild ligger i egenheten i dess epistemologiska status.
Musikkonsten har en objektiv grund. Men det ligger inte i den naturalistiska reproduktionen av känslor, inte i rekonstruktionen av ljudbilder av den objektiva världen, inte i överföringen av akustiska fenomen till det musikaliska tänkandets område. En person toner om världen och sig själv med hjälp av historiskt etablerade medel för musikalisk uttrycksförmåga, så kallat musikspråk. En intonerad musikalisk tanke uppträder i form av ett speciellt språk och förvandlas därigenom till ett konstnärligt språk - ett speciellt språk för mänsklig kommunikation.
Utan tvekan har musik mycket mindre subjekts- och konceptuell särart än andra konstformer.
Men musik kan på ett mer levande och mångsidigt sätt förmedla en persons upplevelser, den inre världen av hans känslor och oro, känslomässiga och psykologiska tillstånd, deras dynamik och översvämningar. De inre, subtilaste, innersta aspekterna av den mänskliga själen, det som ibland inte förmedlas på det vanliga språket för mänsklig kommunikation, blir tillgängligt för uttryck genom musikaliska ljud och tjänar som bas för specifika bildspråk i musik. Det är ingen slump att R. Schumann sa att där ordet slutar börjar musik. Musikaliska ljud, bearbetade på ett speciellt sätt, inbyggda i ett visst modalt, rytmiskt system, som uppträder i en viss ordning i musiken av Bach, Beethoven, Glinka, etc., verkar växa från känslorna, känslorna och mentala tillstånden hos kompositör.
Således är området för mänskliga känslor och känslor ett av huvudämnena för reflektion i en musikalisk bild. Men de kan inte betraktas som ett rent subjektivt fenomen, de är liksom andra former av mänsklig medvetenhet om verkligheten en subjektiv bild av den objektiva världen. Följaktligen skildrar och uttrycker musik verkligheten inte direkt, som konst som skapar en bild av någon del av den objektiva världen, utan indirekt återskapar en värld av känslor och sensoriska relationer. Denna synpunkt underbyggdes utförligt i det koncept som S.Kh. Rapportera och förklara musik som konsten att spegla livet och människan med hjälp av specifika medel.
Den tredje, viktigaste och en av huvuddragen i musik som konst, är djupet och den enorma känslomässiga kraften i den psykologiska och fysiologiska påverkan på en person. Det är känt att de gamla grekerna använde musik som ett sätt att bota från fysiska och psykiska åkommor. Musik är en tillfällig och ljudkonst. Materialet, den fysiska grunden för att konstruera en musikalisk bild är ljud. Och även om från naturens oändliga mängd ljud, endast de som har specifikt musikaliska egenskaper tjänar som material för musik, sker ljudvågornas verkan på hörselorganen objektivt. Det överförs via hörselnerven till hjärnan och ger upphov till en känsla av ljud. Volymen, klangen, tonhöjden och varaktigheten av ett musikaliskt ljud har inte bara en specifik konstnärlig och figurativ betydelse, utan påverkar också fysiskt en person, vilket orsakar ett visst fysiologiskt tillstånd hos honom.
Vetenskapliga observationer visar att ljud är en starkare sensorisk stimulans för människor än ljus eller färg. Människans hörsel kan uppfatta skillnader i tonhöjd från 16 till 20 000 vibrationer per sekund. Brott mot den övre tröskeln orsakar allvarliga förändringar i människokroppen. Musik använder huvudsakligen ljud från 16 till 4000 vibrationer per sekund. Detta utbud är förknippat med den historiska praktiken av mänskligt tal och sång. Moderna tekniska medel för musikåtergivning, som har betydande ljudkraft, ger inga kontrollpunkter för volymnivån. Tyvärr finns det idag bland unga människor ofta en absolut okulterad attityd till musik som låter med en ljudvolym som överstiger alla konstnärliga mått.
Utan tvekan är måttet på ljudstyrkan hos ett musikaliskt ljud ett historiskt värde. Ursprungligen bestämdes det av egenskaperna hos det äldsta musikinstrumentet - den mänskliga rösten. Senare dyker det upp musikinstrument som ackompanjerar sången. De gamla grekernas favoritinstrument var lyra, cithara, panflöjt och aulos. Under medeltiden i Europa blev lutan instrumentet för hemmamusikskapande; orgeln dominerade i konsert, religiöst och rituellt liv. 1600-talet kallas fiolens "guldålder". Förbättringar i mekaniken i cembalo leder till att pianot ser ut. Dess mångsidiga karaktär har bidragit till den ökande populariteten för detta "mest intelligenta instrument". Varje instrument utbildade generationens musikaliska öra i lämpligt volymområde. I samband med mediautvecklingen, med den utbredda användningen av elektroniska instrument, har ljudtätheten ökat märkbart. Det mänskliga örat kan uppskatta fördelarna med "teknisk" musik i alla fall där tekniken inte blir ett hinder för själva musiken, utan tvärtom berikar den med nya uttrycksmöjligheter. Men naturligtvis förblir levande instrumentell och vokal musikframställning, kultur och rikedomen av musikaliskt ljud under villkoren för direkt kreativ prestation den verkliga källan till en fullständig uppfattning om musikalisk konst.
Således har musikens inverkan på en person en uttalad inte bara konstnärlig och figurativ natur, utan också en fysiologisk natur. Musikkonstens noterade karaktäristiska drag - dess innationella uttrycksfullhet, epistemologiska karaktär och konkreta sensoriska fysiologiska inverkan på en person - tillåter oss att närma oss frågan om vilken inverkan musik har på utvecklingen av individen som helhet.
Musikens sociala funktionella karaktär:
estetiskt och pedagogiskt inflytande på en person
De socialiserande funktionerna av musikens inflytande på personligheten är varierande. Precis som i samhället kan det tjäna en individ som ett medel för kognition, kommunikation, utbildning av vissa känslor, känslor etc. Historien känner inte till civilisationer eller individer som skulle kunna klara sig utan musik. Den värld där en person existerar är fylld med musik, och det är objektivt nödvändigt för en person, eftersom med dess hjälp ett antal sociala behov hos individen tillfredsställs.
Om i estetisk teori frågan om innehållet och antalet sociala funktioner för konsten som helhet ännu inte konsekvent lösts, så har den utvecklats i ännu mindre utsträckning inom musikvetenskapen. Även om många framstående filosofer och musiker har skrivit om musikens roll i mänsklig uppfostran sedan urminnes tider, finns det ingen allmänt accepterad synpunkt i denna fråga i modern vetenskaplig forskning. Den berömda musikforskaren A. Sokhor, som förstår funktionen av ett konstverk som det verkliga resultatet av hela systemet av dess inflytande på uppfattaren, identifierade propaganda, utbildnings-, underhållnings- och dekorativa funktioner, pedagogiska, kognitiva, ointresserade nöje, estetiska, etc. Bland alla studerade effekter av musik placerade vetenskapsmannen två superfunktioner på en speciell plats på människor: pedagogisk och estetisk, sammansmälta i pedagogisk-estetisk. På grund av de obegränsade möjligheterna för musikens känslomässiga inverkan och gränsen för kognitiva förmågor, dominerar den pedagogiska-estetiska superfunktionen, enligt författaren, över andra, eftersom den tjänar till att bilda en persons hela andliga värld.
A. Sokhors teori om musikens multifunktionalitet hade sin positiva betydelse vid ett visst skede i den musikaliska och estetiska kunskapens historia. Den nuvarande nivån på att studera den musikaliska kulturen i samhället dikterar behovet av ett systematiskt förhållningssätt till problemet.
Liknande tillvägagångssätt utvecklas i forskningsarbeten av V. Matonis, R. Telcharova, M. Knyazeva, som dök upp nyligen. I princip kan ingen av musikens funktioner som nämnts av A. Sokhor korrekt förstås utan systemiska kopplingar, relationer och ömsesidigt beroende med andra. Ett steg mot att skapa ett organiserat och dynamiskt system av funktioner inom musikkonsten kan vara identifieringen av den huvudsakliga, som så att säga inkluderar och förmedlar alla andra funktioner. Detta är den estetiska funktionen. Det registrerar närvaron av en persons estetiska inställning till musikkonsten. Här agerar estetiken som en typ av musikinflytande på en person och dennes relation till musik, vilket bestäms av estetisk upplevelse, behov och estetiskt ideal. Alla andra funktioner i musikkonsten verkar vara inblandade och kommer från det estetiska. Den estetiska påverkan tar bort i sitt innehåll de återstående funktionella betydelserna av musik (kognitiv, utvärderande, katartisk, kommunikativ, pedagogisk, hedonistisk, etc.), som inte fungerar utanför den estetiska påverkan på individen. Till exempel manifesteras det humanistiska i musiken genom den estetiska påverkan på en person, och det estetiska blir inte sådant utanför den moraliska och humanistiska bedömningen av ett musikaliskt verk. Otillräcklig musikalisk utbildning blockerar tillgången till musikkonstens humanistiska ideal. Tvärtom, att ignorera det universella mänskliga innehållet i musikspråket leder till tom estetik. I sådana fall är exceptionella situationer möjliga när, med en professionell musikkultur, dess estetiska funktion inte finner fortsättning i den moraliska och humanistiska, och den senare inte blir en förutsättning för att bemästra skönhetens djup i musiken. Som ett resultat, både i konsten och i livet, förlorar en person idealen om sanning och skönhet; i konst utvecklas professionella färdigheter utan en orientering mot moraliska ideal.
Liksom moral, alla andra funktioner av musik, aktualiseras dess inverkan på en person genom verkets estetiska status, därför är den estetiska funktionen avgörande i systemet för många andra, vilket säkerställer deras anslutning och enhet.
Sålunda, objektivt sett, på grund av sin konstnärliga och socialt funktionella natur, är musik en av de mest "mänskliga" konsterna. Dess skönhet ligger i uppriktigheten i mänskligt uttryck eller intonation. Genom att låna själva mekanismen för känslomässig smitta från mänskligt tal, väcker musik i en person begäret efter skönhet, godhet och sanning. Det kanske inte direkt påverkar mänsklig aktivitet, men de känslor som orsakas av det ackumulerar moralisk energi i en person, incitament för framtida aktiviteter (det är känt att L.S. Vygotsky utvecklade teorin om konstens fördröjda inverkan på denna grund). Stora kompositörer - J.-S. Bach, L. Beethoven, W.-A. Mozart, F. Chopin, M.I. Glinka, M.P. Mussorgsky, P.I. Tchaikovsky, S.S. Prokofiev, D.D. Shostakovich och många andra - i sina bästa verk uttryckte epokens sociala medvetande, ställde och löste de viktigaste frågorna om mänsklig existens i utmärkt konstnärlig form. På grund av musikkonstens mångfacetterade estetiska, humanistiska natur, även i antiken, såg mänskligheten ett unikt verktyg för att påverka en person och introducera honom till upplevelsen av sociala relationer.
Musik bidrar till utvecklingen av individens känslomässiga och intellektuella sidor, utvecklingen av hans kreativa förmågor, fantasi, fantasi, orienterar värdeideal, mänskligt beteende, och utbildar därigenom specifikt honom.
Konstens huvudämne är människan. Den humanistiska potentialen hos konstnärlig kultur är mest gynnsam för individens bildning, transformation och socialisering. Eftersom den konstnärliga kulturen i ett samhälle fungerar som ett unikt system av konstnärliga värden för olika typer av konst, som har en mångsidig funktionell inverkan på individen, tjänar konsten i allra högsta grad som en faktor i individens holistiska utveckling. Uttrycket för en persons konstnärliga kultur på nivån för en specifik typ av konst - musik - är hans musikkultur. I sin tur är den musikaliska kulturen hos en individ som ett delsystem i förhållande till konstnärlig och estetisk kultur den viktigaste indikatorn på graden av estetisk och konstnärlig utveckling hos en individ.
Musikens värld kan eller kanske inte blir en personlig egendom. Endast individens andliga och praktiska musikaliska verksamhet är utgångspunkten och förutsättningen för ämnets musikaliska och estetiska existens. Tack vare det är förekomsten av en musikalisk kultur för individen och samhället möjlig. Musikalisk aktivitet, som fungerar som en förutsättning, process och resultat av musikalisk utveckling, ger nyckeln till analysen av processerna för bildandet av den mänskliga musikkulturen. Inte bara musikalisk aktivitet, utan också musikaliskt medvetande tar formen av en persons musikkultur. Dessa är två definierande komponenter i den mänskliga musikkulturen. I systemet med kvaliteter i en persons musikkultur kan följande indikatorer bestämmas:
- deltagande i skapandet av ett musikaliskt verk, musikalisk och kreativ aktivitet i alla de olika former av musikaliskt beteende;
- ett system av musikaliska utvärderingsidéer, bildade på grundval av upplevelsen av musikalisk uppfattning och kreativitet, manifesterad i musikaliska och estetiska bedömningar, åsikter, övertygelser;
- volym, kvalitet, konsistens av konstnärliga, estetiska och musikaliska kunskaper av praktisk och teoretisk natur som grund för bildandet av en estetisk inställning till musikkonstens fenomen;
- påverkan av utvecklade former av musikaliskt medvetande och aktivitet på andra typer av materiell och andlig aktivitet, graden av stimulering av utommusikaliska sfärer av mänskligt liv.
Det viktigaste resultatet av bekantskap med musikaliska värden är bildandet av musikaliska och estetiska smaker och ideal för en person, som representerar en indikator på nivån på hans musikaliska utveckling. Därför framstår utvecklingen av personliga utvärderande idéer som ett ämne av särskilt intresse i bildandet av en persons musikkultur. Således, deltagande i musikalisk kreativitet genom olika former av musikalisk aktivitet, utvecklingen av de moraliska och estetiska aspekterna av en person under inflytande av hans musikaliska och kulturella potential, en hög kunskapsnivå och utvärderande idéer inom musik - allt detta är de ledande tecken som bestämmer egenskaperna hos en persons musikkultur, hans nivå av musikalisk förmåga -kulturell utveckling.
